Quando cheguei ao Japão no mês passado, fui recebida por um robô no aeroporto. Ele deu as boas-vindas em vários idiomas, com uma gentileza impecável. Naquele momento entendi que cada minuto naquele país seria assim: amar exatamente o que eu nunca havia imaginado.

Sempre sonhei em ir ao Japão — daqueles sonhos de criança, sabe? Sonhava com as compras, as comidas, as propagandas, os prédios. Mas a realidade superou qualquer imagem que eu tinha guardada.

O país é um misto permanente de caos e calmaria. Em poucos passos você vai de grandes templos de consumo — com uma quantidade de informação visual e sonora que faz inveja a qualquer metrópole — a esquinas que parecem esquecidas no tempo. Essa contradição não é acidente. É estética. É escolha.

Com o passar dos dias, fui entendendo que a população japonesa não é apenas educada: ela é treinada para o coletivo. Não foi raro ver crianças andando sozinhas pelas ruas — porque para os japoneses a responsabilidade por uma criança é de toda a sociedade, e por isso ela nunca está de fato sozinha. Pessoas nos abordavam para ajudar quando estávamos perdidas, mesmo sem falarmos o mesmo idioma.

Mas há algo nessa contenção que me intrigou profundamente. Sou brasileira, e carioca — e verborragia está no nosso sobrenome. Ver aquela sociedade nas vozes baixas, nos olhares indiretos, nas opiniões guardadas, me fez uma pergunta que não saía da cabeça: onde é que eles colocam o que sentem?

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A resposta, aprendi, está na arte.

Visitei museus a céu aberto como o Hakone Open Air Museum, e ilhas inteiras como Naoshima e Teshima — antigas áreas de descarte de lixo transformadas em grandes espaços de arte contemporânea, com obras em absolutamente todos os lugares. O ato em si já é um gesto: pegar o que foi rejeitado e transformá-lo em lugar de contemplação.

Uma das descobertas que mais me marcaram foi o trabalho de Kenji Yanobe. Conhecido por obras que transitam entre o otimismo e a distopia, Yanobe cria esculturas que simulam objetos de consumo projetados para sobreviver após um holocausto nuclear. Seus gatos — figuras aparentemente ingênuas, quase fofas — carregam dentro de si todo o peso das bombas e da guerra. É uma estratégia precisa: usar a linguagem do infantil para dizer o insuportável.

E não é só Yanobe. Percebi que a infantilização está por todo lado na cultura visual japonesa — nos personagens, nas embalagens, na publicidade. A princípio parece escapismo. E talvez seja, em parte. Mas é também uma linguagem sofisticada para lidar com horrores que palavras diretas não conseguem — ou não podem — nomear.

Toda sociedade busca na arte uma forma de tornar público o que é íntimo, coletivo o que é individual, visível o que foi silenciado. No Japão, essa operação acontece com uma precisão particular: não há grito, há imagem. Não há confronto direto, há metáfora. O incômodo existe — e é real, e dói — mas chega no volume mínimo, quase sussurrado.

Foi isso que aprendi observando aquela sociedade de fora, com olhos de quem veio de um lugar onde tudo se diz em voz alta: que o silêncio também tem gramática. E que entender a arte de um povo é, talvez, a única forma honesta de entender o que eles não conseguem — ou não precisam — dizer.

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Entre a autoria individual e o fazer coletivo, um convite para repensar a arte como campo vivo de cooperação e regeneração.

Tenho pensado muito sobre autoria. No campo das artes visuais, ela ainda é tratada como um troféu — algo que se ergue em nome de um só, mesmo quando tantas mãos, olhares e vozes participaram do percurso. Seguimos repetindo o mito do artista solitário, como se a criação acontecesse num vazio, isolada das trocas que a tornam possível.

Mas basta observar o processo de perto para perceber o contrário: toda obra nasce de uma rede. Há quem produza, quem monte, quem ilumine, quem traduza, quem cuide. Há quem dê o contexto, quem empreste o espaço, quem confie, quem critique, quem acolha. A arte, no fundo, é um sistema de interdependências — um ecossistema de relações que pulsa em torno de um gesto criativo.

Ainda assim, o sistema insiste em celebrar o indivíduo. É curioso: quanto mais se fala em colaboração, mais a lógica do reconhecimento parece estreita. O nome que assina segue sendo o que vale, enquanto as tramas que sustentam a obra seguem invisíveis. É como se a própria ideia de valor artístico estivesse presa a uma visão de escassez — um modelo onde poucos brilham, e o coletivo é reduzido a bastidor.

Nos últimos tempos, tenho me aproximado da noção de sintropia. A palavra vem da física, mas tem me servido como metáfora. Enquanto a entropia fala da dispersão e do desgaste, a sintropia aponta para o movimento oposto: a força que conduz os sistemas para a harmonia, a regeneração, a complexidade. É o princípio que sustenta a vida — a cooperação entre diferentes elementos que, ao se relacionarem, criam algo maior que a soma das partes.

Talvez a arte funcione assim também. Quando criamos em rede — artistas, curadores, produtores, instituições, comunidades — o processo se torna sintrópico: cada interação gera energia, e essa energia alimenta o que vem depois. É uma criação que não se esgota no objeto, porque o próprio caminho é fértil. A obra deixa de ser um ponto de chegada e passa a ser um campo vivo de relações.

Penso que precisamos falar mais sobre isso. Sobre o fazer coletivo, sobre o direito à coautoria, sobre as práticas de cuidado e reciprocidade que tornam a arte possível. Não se trata de apagar a singularidade do artista, mas de reconhecer que o gesto criativo só se sustenta porque há um mundo inteiro em volta dele.

A sintropia, nesse sentido, é uma forma de resistência. Em vez de competir, cooperar. Em vez de concentrar, distribuir. Em vez de esgotar, regenerar. É um convite para repensar o que entendemos por autoria — e talvez para admitir que criar, no fundo, é sempre um ato coletivo.

é possível borrar o encontro com a arte urbana?

O que define a arte contemporânea? Em definição Arte Contemporânea é uma tendência artística que nasceu na segunda metade do século XX, após a Segunda Guerra Mundial. Também conhecida como Arte Pós-Moderna, essa tendência teve início, sobretudo, com o advento da Pop Art e do minimalismo.

Nessa mesma “contemporaneidade” existe uma corrente artística, a Arte Urbana, que se no inicia no Brasil na década de 70, mais precisamente na cidade de São Paulo, e passa a dialogar diretamente com as pessoas que passam nas ruas e são impactadas diariamente por esses trabalhos sem precisar recorrer aos espaços “consagrados da arte como museus e galerias”.

Porém por ser um trabalho que acontece livre das aceitações do mercado ele segue até hoje a margem da “arte contemporânea” e do que podemos chamar “sistema da arte”.

Segundo Pierre Bourdieu, o “campo da arte” pode ser definido como um “sistema” ou “espaço” estruturado de posições, que possui regras instituídas que regem o acesso e o êxito no campo e que determinam a posição ocupada por seus agentes, que lutam pela apropriação do “capital cultural”.

O mercado da arte (Ver Sarah Thorton — Sete dias no mundo da Arte e Raghuram Rajan — O Tubarão de 12 milhões de dólares) é bastante complexo, inclui diferentes agentes e instituições, e pode ser entendido de forma bastante organizada a fim de atender constantemente os interesses do mercado, Thorton em seu livro “Sete Dias no Mundo da Arte) desecreve 7 macro agentes definidores e podemos perceber que o artista é o de menor valor.

Nele percebemos que são os galeristas, curadores, feiras, museus, leiloeiros, escolas de arte que vão definir quem é um artista contemporâneo e quem não pode adentrar esse mundo mágico e inacessível.

No meu trabalho na Aborda, única plataforma Brasileira que gerencia carreiras de artistas visuais, em sua maioria artistas urbanos, temos constantemente trocas a fim de entender quais os motivos que levam a arte urbana não ser considerada uma “arte contemporânea”: como uma manifestação artística que esta presente na contemporaneidade e que esta presente na rua e que pode ser considerado o maior e mais democrático museu do mundo não faz parte desse recorte?

Em nosso podcast “abordaria”, gravado em maio de 2023, com os curadores, Paula Borghi e Icaro Ferraz Vidal Junior, debatemos essa questão e uma das falas do Ícaro me fez pensar em algo que eu pudesse começar a entender um dos motivos.

Faz parte desse mercado da arte, o tão importante “cubo branco”, e a partir de um texto do Ícaro e também do conceito de exclusividade que tanto permeia arte pude entender que aquilo que para artistas urbanos é tão importante que é a democratização de seus trabalhos e a proximidade com a sociedade, é a ideia oposta que vai fazer surgir o cubo branco e então afastar completamente a arte contemporanea da arte pública.

De acordo com o texto “Corpo, percepção e valor no pensamento curatorial contemporâneo” publicado na Revista Novos Olhares, por Vidal Junior:

Os ensaios que compõem o volume Inside the white cube: the ideology of the gallery space, de Brian O’Doherty (2012), tornaram-se referências fundamentais na literatura contemporânea sobre artes visuais…

Os ensaios de O’Doherty debruçam-se sobre uma configuração espacial específica, que se tornou hegemônica nas exposições de arte moderna e contemporânea e dá título ao seu livro: o cubo branco. A galeria de arte tem seu espaço descrito pelo autor nos seguintes termos:

“Uma galeria é construída baseada em leis rigorosas, como aquelas que orientavam a edificação de uma igreja medieval. Porque o mundo externo deve permanecer fora, em geral as janelas são seladas; as paredes são pintadas de branco; o teto torna-se fonte de luz. O piso de madeira é tão polido que percebe-se distintamente os rumores dos passos, ou é coberto por um tapete que amortece aquele som, permitindo pousar os pés enquanto os olhos tomam de assalto a parede.”(O’DOHERTY)

Ao pensarmos na cronologia que marca o desenvolvimento do cubo branco como forma hegemônica de expor e de ver obras de arte, podemos observar que ela é em larga medida contemporânea do processo de desenvolvimento urbano que culmina nas grandes cidades modernas. No que concerne às imagens, o desenvolvimento urbano e comercial, contemporâneo do desenvolvimento de tecnologias de produção e reprodução de imagens e do campo da publicidade, que então se profissionalizava, culmina na configuração de novos ambientes visuais, como o que podemos observar em grandes avenidas comerciais — dentre as quais, a Times Square em Nova York segue sendo paradigmática (Figura abaixo) — que se assemelham enormemente, com sua profusão de anúncios publicitários, aos já referidos salões de arte, que vigoraram como modelo de exposição de arte até o início do século XX.

Uma questão que nos parece fundamental, portanto, emerge da complexidade do ecossistema mediático moderno, no qual a imagem reprodutível espraia-se sobre as urbes como uma segunda pele. Neste contexto, um ponto importante parece ter sido negligenciado por grande parte dos estudos que investiram no campo das exposições artísticas, isolando a imagem da arte das demais imagens do mundo: a descontextualização das obras de arte de seu entorno sociocultural e a sublimação da corporalidade talvez sejam efeitos colaterais do cubo branco, e não seus objetivos primordiais. O desenvolvimento do cubo branco parece comprometido com um desejo de chancelar, em meio à profusão das imagens mediáticas, algumas imagens como sendo dignas de uma percepção de tipo bem específico, protegendo as imagens artísticas dos famintos ambientes mediáticos.

Ao ler essa última frase do artigo do Icaro, me vem em partes a resposta que muitos artistas urbanos buscam: é no desejo de distinção e de segregação que arte perpetua que está a impossibilidade de borrar essas barreiras entre a arte contemporanea e a arte pública, pois ao propor o encontro imediato e sem distinção com as pessoas a arte publica fica imediatamente barrada de entrar no que ouso dizer ser a mais importante espaço da arte contemporanea que é o Cubo Branco, pois a ela pertence a rua, aquele espaço que o cubo branco busca se distanciar.

Agora fica a pergunta, porque artistas urbanos que buscaram na rua um espaço e uma possibilidade de ter seus trabalhos expostos e “consumidos” querem tanto estar nessa “instituição” que por principio em nada dialoga com seus trabalhos?

Icaro Ferraz Vidal Junior é Bolsista de pós-doutorado PNPD-Capes no Programa de Estudos Pós-Graduados em Comunicação e Semiótica da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo. Doutor em História, História da Arte e Arqueologia pelas Université de Perpignan Via Domitia e Università degli studi di Bergamo e em Comunicação e Cultura pela Universidade Federal do Rio de Janeiro. E-mail: vidal.icaro@gmail.com

Carolina Herszenhut é agente e ativista cultural, especializada na identificação de novas cenas e artistas, criando uma carreira sustentável para eles. Com MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural e Gestão e Criação Contemporânea na Casa Encendida em Madrid.

É idealizadora da Aborda, uma plataforma de experiências que conecta marcas e pessoas através da arte, cultura e causas. Somos a única plataforma de gestão de carreiras de artistas visuais no Brasil com 12 artistas no nosso portfólio de diferentes locais do país, valorizamos o mercado da arte visual no brasil e está atenta e ativa nas transformações desse segmento.

Há 10 anos a Aborda desenvolve, idealiza e faz a curadoria de projetos culturais em todo país com marcas e instituições. Dentre outros projetos executados, está O Cluster, primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro criada em 2012. Realizou mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife.

Um dos principais nomes da cena de arte pública no Brasil, Carolina é Diretora Comercial do CURA, um dos maiores festivais de arte pública em Belo Horizonte e também do Inarte, uma residência artística no Rio Grande do Norte onde fazemos um mapeamento sensível através da arte e educação patrimonial.

Lançou em 2016 o livro: “Guia O Cluster Cem Criativos Cariocas”, um título inédito, por se tratar do único guia da cidade do Rio de Janeiro que revela novos nomes da economia criativa.

Em 2017 foi selecionada entre mais de 400 mulheres no Brasil todo para ser uma das 30 mulheres do prêmio Itaú Mulher Empreendedora em parceria com a FGV/SP, em 2019 participou do programa She 2B do Weconnect com a Proctor & Gamble que visa ampliar o número de empresas lideradas por mulheres a trabalharem junto a Multinacionais.

Uma Nova Jornada da Arte

Pode soar estranho esse termo “Nova Jornada da Arte”, mas te garanto que o final desse texto fará todo sentido e com certeza te ajudará a ter um pouco mais de clareza de como conduzir seu trabalho.

A arte contemporânea é arte de hoje, produzida a partir da segunda metade do século XX e no século XXI. Não há consenso entre os autores sobre o início do período contemporâneo na arte, mas considera-se que a arte contemporânea, em seus estilos, escolas e movimentos, tenha surgido após a Segunda Guerra Mundial, como ação de ruptura com a arte moderna.

Artistas contemporâneos trabalham em um mundo globalmente influenciado, culturalmente diverso e tecnologicamente avançado. Diversificada e eclética, a arte contemporânea como um todo se distingue pela própria falta de um princípio organizador uniforme, ideologia ou “ -ismo “. A arte contemporânea faz parte de um diálogo cultural que diz respeito a estruturas contextuais mais amplas, como identidade pessoal e cultural, família, comunidade e nacionalidade. — WIKIPEDIA

Tudo que é produzido hoje, é arte contemporânea, seja arte pública, arte têxtil, escultura, pintura ou performance. Dito isso é preciso entender que a Arte (Mundo da Arte) é também um negócio (Mercado da Arte) e esse negócio se estrutura na contemporaneidade a partir de uma Jornada da Arte, que Sarah Thornton relata em seu livro “Sete dias no mundo da arte”::

“É importante ter em mente que o mundo da arte é muito mais amplo que o mercado da arte. Mercado diz respeito a pessoas que compram e vendem obras (ou seja, marchands, colecionadores, leiloeiros), mas muitos agentes do mundo da arte (críticos, curadores e os próprios artistas) não estão diretamente envolvidos regularmente nessa atividade comercial. O mundo da arte é uma esfera em que muitas pessoas não apenas trabalham, mas vivem em tempo integral. É uma “economia simbólica”, na qual as pessoas permutam ideias, e o valor cultural é mais debatido do que determinado pela pura riqueza.”

Paralela e bastante distante de uma jornada tradicional que coloca a arte num pedestal e constrói o seu mundo a partir de críticos, galerias e galeristas, feiras de arte, revistas, leiloeiros, museus e bienais, essa nova jornada, dialoga com símbolos, pessoas, instituições e iniciativas que mais parecem um plano de marketing.

Se pensarmos que nessa nova jornada da arte, como uma jornada que inclui novos participantes como: mídias sociais, empresas, colabs, festivais e outros, fica fácil entendermos que o posicionamento de um artista no mercado nada mais é do que um “plano de negócios”, e todo plano de negócios tem um bom “mix de marketing”.

Aproveitarei para mostrar como essa estratégia pode ser usada na arte e entender que cada trabalho do artista, uma tela, um painel, um print, um produto com estampa e até mesmo uma fala num evento pode ser entendido e posicionado a partir desses 4Ps do marketing. (ler Philip Kotler)

Produto

O primeiro dos 4Ps refere-se àquilo que a empresa oferece para sanar um ponto de dor ou uma necessidade do consumidor. Ele pode ser tangível (objetos e bens de consumo) ou intangível (serviços e informações).

• Como as pessoas interagem com o que eu faço?

• Telas? Prints? Produtos? Murais? Digitais? Cursos? Palestras?

• Como, quando e onde o cliente vai utilizá-lo?

• Como ele se diferencia dos outros artistas que já existem no mercado?

Preço

O preço é o valor de venda do produto, o quanto ele custa para a aquisição pelo cliente. Essa definição é importante não apenas para o sucesso de um negócio, mas para a sua sobrevivência. O preço — valor percebido — deve ser formado com base na estrutura de custos da sua fabricação, tributação e venda.

• Qual é o valor do seu produto ou serviço para o comprador?

• Quais são as faixas de preço para produtos e serviços?

• Qual é o comportamento do cliente em relação ao preço? Quanto ele está disposto a pagar pelo que você oferece? Qual é o limite de preço?

• Existe a necessidade de criar ações de preço específicas para segmentos de público (pessoas jurídicas, físicas)?

• Como seu preço se compara ao de outros artistas?

Praça

De forma geral, a praça, ou ponto de venda, diz respeito ao local de distribuição e logística do produto ou serviços da empresa para o consumidor final. Ou seja, onde o produto é oferecido.

• Onde as pessoas acham seus trabalhos?

• Exposições? Sites? Festivais? Galerias? IG? Atelier?

Promoção

O último “P” diz respeito à promoção que engloba todo o plano de comunicação, divulgação, estratégias de aquecimento das vendas e execução de estratégias de marketing de uma empresa. Ou seja, tem o sentido de promover uma marca e o que ela oferece, de modo a fazer dela uma escolha natural de consumo para o seu público.

• Onde você pode passar, de forma efetiva, as mensagens do seu trabalho?

• Quais são os melhores canais e ações para apresentar seus trabalhos para possíveis clientes?

Importante deixar claro aqui que nada disso é uma verdade absoluta, são apenas algumas das muitas ideias e processos que permeiam meu trabalho diário de gestão de carreiras de artistas visuais na Aborda, a única plataforma do país que realiza esse trabalho desde 2019, com atuação em diversas regiões do Brasil. Espero que te ajudem!

Carolina Herszenhut é agente e ativista cultural, especializada na identificação de novas cenas e artistas, criando uma carreira sustentável para eles. Com MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural e Gestão e Criação Contemporânea na Casa Encendida em Madrid.

É idealizadora da Aborda, uma plataforma de experiências que conecta marcas e pessoas através da arte, cultura e causas. Somos a única plataforma de gestão de carreiras de artistas visuais no Brasil com 12 artistas no nosso portfólio de diferentes locais do país, valorizamos o mercado da arte visual no brasil e está atenta e ativa nas transformações desse segmento.

Há 10 anos a Aborda desenvolve, idealiza e faz a curadoria de projetos culturais em todo país com marcas e instituições. Dentre outros projetos executados, está O Cluster, primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro criada em 2012. Realizou mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife.

Um dos principais nomes da cena de arte pública no Brasil, Carolina é Diretora Comercial do CURA, um dos maiores festivais de arte pública em Belo Horizonte e também do Inarte, uma residência artística no Rio Grande do Norte onde fazemos um mapeamento sensível através da arte e educação patrimonial.

Lançou em 2016 o livro: “Guia O Cluster Cem Criativos Cariocas”, um título inédito, por se tratar do único guia da cidade do Rio de Janeiro que revela novos nomes da economia criativa.

Em 2017 foi selecionada entre mais de 400 mulheres no Brasil todo para ser uma das 30 mulheres do prêmio Itaú Mulher Empreendedora em parceria com a FGV/SP, em 2019 participou do programa She 2B do Weconnect com a Proctor & Gamble que visa ampliar o número de empresas lideradas por mulheres a trabalharem junto a Multinacionais.

Como o mercado de arte afeta a saúde mental do artista

Recentemente participei de uma conversa sobre o mercado da arte e saúde mental, no momento do convite o tema me causou um pouco de desconforto, mas algo que para mim pareciam dois temas um pouco distantes, se tornou algo urgente a se pensar.

Vivemos num mundo de imagens, imagens essas que precisam ser quase sempre bonitas, felizes com certeza, mas que todos (ou quase todos) sabemos que são mentiras, ou pelo menos meias verdades.

Nessa conversa falamos sobre a angústia do artista em ter uma carreira sustentável e me foi feita a pergunta de como isso poderia ser resolvido. Porém acredito que não existe uma resposta, pois segunda a psicanálise (desculpe aqui psicanalistas minha frase rasa) a angústia é algo que nos move, que nos faz rumar aos nossos desejos.

“A angústia é o afeto por excelência na clínica psicanalítica. De acordo com Freud, é a matriz de todos os afetos. Para Lacan, é o único afeto que não engana: é o sinal da divisão do sujeito entre o gozo e o desejo.” — wikipedia

Dessa forma ouso dizer que sem ela, como se daria a criação artística? Seria essa angústia que nos acomete todos os dias a propulsora de nossas realizações?

São perguntas que ficam e acredito podem ter muitas respostas, mas, e quando essa angústia vai além das que angústias existenciais (essas sim, acredito serem fonte inesgotável de criação e capazes das maiores obras) e passam a ser sobre nossa subexistência como individuo num mundo capitalista onde não podemos piscar sem ter um custo?

Seria essa angústia também capaz de nos fazer criar? Ou seria paralisante?

Acredito que cada um de nós vai lidar com isso de forma diferente, mas como esse tema atravessa o mercado de arte?

Como pode o artista encontrar uma forma de aplacar aquele sentimento que nos fecha a garganta, que nos dá dor de estômago e conseguir ter uma carreira sustentável?

Fórmula mágica não existe, e nem acredito que eu possa dizer aqui o que cada um deve fazer para alcançar um mundo ideal. Tenho um amigo artista, que sempre diz que se ele fosse alguém que segue conselhos que muitos gostam de dar como um passo a passo para o sucesso e tudo desse errado ele processaria esses “donos de respostas”.

Como não tenho vocação para Lair Ribeiro e não quero ser processada, vou contar um pouco de como eu acredito, e como fazemos na Aborda. E mais uma vez, não é uma verdade absoluta é apenas algumas ideias que colocamos em prática e por vezes funcionam.

Uma das formas que trabalhamos e sempre causa dúvidas nas pessoas é a nossa relação com as marcas e como fazemos para manter a integridade artística dos artistas que agenciamos e ainda sim atender ao mercado. Para isso acho importante deixar claro que empresas e instituições culturais são muito parecidas pois hoje em dia ambas atendem ao mercado, uma vez que estão atravessadas por interesses de marcas, grandes fortunas e precisam ter retorno de seus investimentos.

Então ao pensar sobre isso, sigo uma lógica muito parecida para lidar com ambos, claro que sempre lembrando que as instituições culturais dão ao artista um “lugar ao sol” nesse grande mundo da arte e marcas dão dinheiro.

Mas como pode o artista (se não for herdeiro) criar algo para ter esse lugar ao sol se não tiver dinheiro? É aí que acredito que podemos encontrar uma relação de ganha-ganha com as marcas a fim de garantir dinheiro e essa tão sonhada saúde mental.

Nosso trabalho na Aborda consiste exatamente aí: preservar as narrativas e pesquisas poéticas do artista e também entender como podemos criar uma conexão com o mercado (lembrando aqui que falo de marcas e museus). Não é uma tarefa. Mas é possível, e uma pergunta que sempre nos guia é:esse projeto/trabalho me leva aos meus objetivos a médio/longo prazo?

Carolina Herszenhut é agente e ativista cultural, especializada na identificação de novas cenas e artistas, criando uma carreira sustentável para eles. Com MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural e Gestão e Criação Contemporânea na Casa Encendida em Madrid.

É idealizadora da Aborda, uma plataforma de experiências que conecta marcas e pessoas através da arte, cultura e causas. Somos a única plataforma de gestão de carreiras de artistas visuais no Brasil com 12 artistas no nosso portfólio de diferentes locais do país, valorizamos o mercado da arte visual no brasil e está atenta e ativa nas transformações desse segmento.

Há 10 anos a Aborda desenvolve, idealiza e faz a curadoria de projetos culturais em todo país com marcas e instituições. Dentre outros projetos executados, está O Cluster, primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro criada em 2012. Realizou mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife.

Um dos principais nomes da cena de arte pública no Brasil, Carolina é Diretora Comercial do CURA, um dos maiores festivais de arte pública em Belo Horizonte e também do Inarte, uma residência artística no Rio Grande do Norte onde fazemos um mapeamento sensível através da arte e educação patrimonial.

Lançou em 2016 o livro: “Guia O Cluster Cem Criativos Cariocas”, um título inédito, por se tratar do único guia da cidade do Rio de Janeiro que revela novos nomes da economia criativa.

Em 2017 foi selecionada entre mais de 400 mulheres no Brasil todo para ser uma das 30 mulheres do prêmio Itaú Mulher Empreendedora em parceria com a FGV/SP, em 2019 participou do programa She 2B do Weconnect com a Proctor & Gamble que visa ampliar o número de empresas lideradas por mulheres a trabalharem junto a Multinacionais.

Aborda + Lambes Brasil

Pensar e construir uma NOVA JORNADA DA ARTE é o ponto de partida do trabalho da Aborda, somos uma plataforma de gestão de carreiras de artistas visuais, que está atenta às transformações do mercado. Estamos constantemente desenvolvendo novas formas de diálogo entre artistas e o mercado, e pensando nisso convidamos a Lambes Brasil, que é a principal plataforma de divulgação e mapeamento de lambe-lambe do Brasil para construirmos juntos, durante do mês de julho, um conteúdo inteiro dedicado a essa técnica.

“A intenção aqui foi multiplicar nossos conhecimentos e paixões e mostrar que sim, nós usamos uma técnica apaixonante que pode e deve ser respeitada e multiplicada para diversos usos, estudos e casos.”- Conta Bruna Alcantara, artista e integrante da Lambes Brasil

Unimos forças para mostrar as possibilidades dessa técnica. Impulsionar o lambe é uma forma de procurar por respeito. Há muitos anos, o papel e a cola, através da feitura de cartazes, são utilizados como publicidade ou pela simples vontade de comunicar uma mensagem. Se na antiga União Soviética os cartazes urbanos davam palavras de ordem e populismo, foi também assim, com temáticas políticas, que o lambe-lambe se espalhou pelo Brasil: nos movimentos estudantis e sindicais, principalmente nas décadas de 60 e 70, com duras críticas ao período da ditadura militar, a arte de espalhar papel por ruas, postes e superfícies urbanas tornou o lambe lambe uma linguagem de pertencimento à cidade. Nascia também aí, o cartaz como forma de expressão artística.

De lá pra cá, são anos em luta para transformar a arte urbana em uma arte reconhecida. Se o grafite e o picho saíram à frente, nós entendemos e adoramos. É realmente preciso ocupar e resistir.

Horas de estudo e técnica, levaram diversos artistas do lambe-lambe ao amadurecimento estético, o que permite um trabalho em diferentes escalas. Quando se fala em papel e cola, se imagina uma folha simples. Mas você já parou para pensar que diversas folhas unidas formam desenhos de escalas infinitas? Foi por isso que optamos por entrevistar artistas de lambe que conseguem transformar ideias em superfícies urbanas de grande escala. Primeiro, o artista Alberto Pereira (RJ) entrevistou o artista Bueno Caos (SP). O público que acompanha a Lambes Brasil e Aborda pode entender que as possibilidades do fazer manual do papel são infinitas. Bueno Caos nos mostrou a possibilidade de mesclar o trabalho comercial com o autoral. Sua mensagem espalhada por muitas cidades no Brasil, tão política e tão necessária, para além de empenas nas principais avenidas de São Paulo, têm também ocupado estabelecimentos privados e comerciais. Exemplos disso são suas artes no Porto de Santos ou em elevadores de prédio comercial no Rio de Janeiro.

Também nesse mês de julho, Alberto Pereira, idealizador da Lambes Brasil e o único artista da Aborda que utiliza a técnica do lambe, fez um grande feito e que deve ser celebrado: envelopou uma caixa d’ água, totalizando uma arte em papel de 200 metros quadrados.

“Trabalhos como esses revelam como o lambe-lambe, assim como o graffiti e o muralismo, é uma técnica possível de ser trabalhada em diferentes projetos e finalidades. Num momento onde a arte urbana tem sido grande aliada na construção de discursos e valores para as marcas, acredito que o lambe lambe é capaz de emprestar autenticidade, ineditismo e força, unindo itens importantes para empresas sem perder sua poética. É uma técnica que precisa de mais espaço e por isso essa ação conjunta é tão importante para nós.” — Carol Herszenhut.

E para mostrar a importância dos trabalhos em grandes escalas e formatos, entrevistamos o artista francês Julien de Casabianca, que há anos tem fotografado obras em museus e espalhado por prédios de diversos lugares do mundo. Ele nos contou que sua experiência com lambe-lambe começou após visitar o museu do Louvre, em Paris, na França. Segundo Julien, ele se encantou pela pintura de uma moça, tirou uma foto e imprimiu no tamanho de uma pessoa para colocar na rua.

“Depois que fiz o meu primeiro lambe vi como era poderoso. Hoje, já desenvolvi uma cola com uma empresa. Ela garante uma colagem definitiva. Além disso, utilizo um papel específico e tenho alguns truques de corte para evitar tensões no papel durante a secagem. Ao final, adiciono o verniz. Dessa forma, só é possível retirar o lambe-lambe com uma retificadora.” — Julien de Casabianca

Para realizar as colagens, o artista e cineasta Casabianca utiliza imagens de celular, HDs do museu e até mesmo fotos disponíveis no Google. Ele explicou que quanto maior o lambe, menos se precisa de uma boa resolução. Em 2017, Julien viajou por mais de 17 cidades, dentre elas o Rio de Janeiro. De acordo com a matéria do jornal O Globo, o artista fotografou obras de diversos museus e realizou lambe-lambe ao redor deles. Aqui no Brasil, as artes ficaram no Museu de Arte do Rio (MAR) e em favelas da cidade.

“Adoro paredes com cornijas, baixos-relevos, esculturas, colunas, janelas e portas. Os trabalhos mais difíceis que realizei foram em Bordéus (França), Memphis (Estados Unidos). No mês passado fiz um lambe-lambe de 250 metros quadrados em uma igreja em Córsega (França), foi a maior arte que eu já realizei.” — Julien de Casabianca

É lógico que o lambe, por ser uma arte de rua, tem por si só um quesito contestador e crítico. E que legal quando empresas e comércios entendem que isso tem a ver com posicionamento de marcas e estabelecimentos e nos convidam e contratam para trabalharmos nossa arte e ideologia em seus estabelecimentos. Por isso, também fizemos postagem nas nossas redes sociais, sobre as diversas formas que o Lambe pode ser utilizado.

A exemplo, o trabalho da artista Bruna Alcantara (PR) e do artista Roni Evangelista (SP), ligados à moda, saem das ruas e muros e vestem corpos com questões feministas e sociais. Ou, o trabalho do artista Tacio Russo em lambes com poesia, que começa a ocupar paredes de apartamentos ou casas de pessoas que querem e consomem arte como objeto figurativo de suas vidas pessoais.

Para valorizar também as mulheres, numa onda feminista que nos atinge como artistas e produtorxs, consagramos as artistas negras que usam a técnica do lambe-lambe em seus trabalhos. Em comemoração ao Dia Internacional da Mulher Negra Latina e Caribenha, que é celebrado na data de 25 de julho, mostramos nas redes as artistas:

Anne Souza (PE)

Beatriz Paiva (PA)

Eve Queiroz (SP)

Jéssica paulino (MG)

Kerolayne Kemblin (AM)

Silvana (MA)

Tem sido assim, de passo em passo, ou de folha em folha, que pretendemos difundir e realizar muitos trabalhos a fim de exterminarmos o preconceito sobre essa técnica. Viemos para dizer que é para ficar. Continue acompanhando as plataformas Aborda e Lambes Brasil para continuar a conhecer os artistas deste cenário.

Esse texto faz parte de uma série de textos em parceria e foi escrito junto com a Lambes Brasil.

A Lambes Brasil é uma plataforma criada em 2016 pelo artista Alberto Pereira (RJ) com o intuito de fomentar e valorizar o lambe-lambe no contexto das artes visuais brasileiras. Através de parcerias e iniciativas independentes busca fortalecer o cenário aos artistas e produtores gerando reconhecimento da técnica e prática artística perante público, empresas, instituições culturais, demais artistas e linguagens artísticas.

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas visuais nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

Vamos tentar desvendar um pouco dessa arte digital que com certeza você já foi bombardeado nos últimos dias.

O especialista Eduardo Cardoso é meu convidado para explicar esse assunto. Vamos ao texto…

Imagine um futuro próximo. Um colecionador acorda e seu celular avisa que uma de suas peças foi vendida pelo preço colocado. Boas, notícias. Mas as coisas não terminam por ai. Depois de tomar seu café, ele se senta na frente do seu computador e acessa um painel com todos os seus investimentos, inclusive obras de arte. Obras de Arte? Sim, e todas cotadas em tempo real. Muitas vezes até servindo como garantia para outras operações financeiras. Mas isso ainda vai acontecer? Não, isso já está acontecendo em Bolsas de arte espalhadas pelo mundo todo.

Sejam elas virtuais ou mesmo físicas todas essas obras se inserem nesse painel através de um formato chamado NFT (ativo não fungível). Mas como isso pode acontecer? O NFTs não são apenas arquivos digitais?

Não apenas. NFTs são registros permanentes e imutáveis. Realizados em blockchain. A mesma tecnologia usada pelo Bitcoin.

Mas quem registra esses NFTs? De onde eles surgem?

Os próprios artistas ou seus representantes. Esse registro garante sua origem. Esses NFTs são por natureza rastreáveis e ao longo do tempo vão traçar um perfil bem completo sobre a propriedade e documentos relativos à própria obra.

Quem foram seus proprietários, quais os valores que foram alcançados a cada comercialização e quais ofertas essa obra vem recebendo de outros colecionadores. Outras informações também podem ser agregadas nesses registros, como royalties para o artista a cada venda e também outros arquivos, como um filme making off, por exemplo.

Mas o que são realmente os NFTs? Muitas vezes a obra é o próprio NFT. Seja ele único ou múltiplo. No caso das obras físicas, o NFT será imprescindível para a venda. Sem ele, quem garante a procedência da obra oferecida? Um pedaço de papel carimbado? Certamente isso vai acabar. Tornando praticamente impossível a vida dos falsificadores, pois não será possível reproduzir um registro não oficial. Da mesma forma como não é possível falsificar um Bitcoin.

Esse aspecto abre uma série de oportunidades. Uma verdadeira corrida do ouro para os NFTs nos próximos anos. Artistas vivos vão passar a produzir obras totalmente digitais nesse formato. Ao mesmo tempo que vão catalogar seus acervos físicos para posteridade substituindo os mofados certificados de autenticidade pelos registros em blockchain.

Instituições como Museus e Acervos Culturais demandarão grandes projetos de catalogação em NFTs também. Tudo isso envolverá produtores culturais, especialistas em certificação de documentos e obras, avaliadores, desenvolvedores de sistemas, além de outros profissionais qualificados.

Mas como começou tudo isso? De modo muito inocente. Com um jogo experimental chamado Cryptokitties. O sucesso foi tão grande que rapidamente congestionou a rede Ethereum, que teve de ser readequar ao tráfego gerado pelo cruzamento de gatinhos mutantes. Sim, o jogo é sobre isso. Dar match em gatos bem estranhos. Mas essa brincadeira rapidamente tomou forma de especulação e hoje temos Cryptokitties alcançando valores de centenas de milhares de dólares.

Recentemente Crossroads (foto), um NFT produzido pelo artista Beeple foi vendido por mais de seis milhões de dólares. O ativo consiste numa animação “comemorativa” da derrocada de Trump. Esse caso ilustra bem a verdadeira revolução que os NFTs vão promover nos próximos anos. E esse alto valor atribuído à uma obra de arte formatada como NFT é apenas o cume de um imenso iceberg.

Os NFTs são ativos muito flexíveis. Servem para representar e mesmo ser muitas coisa. Desde obras de arte até o capital fracionário de uma empresa ou um fundo de investimento. Os casos de uso são muito amplos. E ainda estão sendo todos os dias descobertas novas aplicações.

Seriam então os NFTs o motor de uma revolução que vai engolir rapidamente todo o sistema financeiro? Eu diria que sim. E com muita certeza disso. Como o Bitcoin, não há como parar essa tecnologia. E nesse exato momento há pessoas no mundo inteiro (incluindo eu mesmo) tocando projetos incríveis com esse novo ferramental.

Em dez anos o mercado será totalmente diferente. Para a arte e para as finanças. Talvez não exista num futuro próximo qualquer distinção entre um e outro. E instituições sólidas que não entenderam tudo isso terão fatalmente fracassado.

Esse texto estréia uma séries sobre o mercado da arte com pessoas convidadas especialistas em diversas áreas. Esse sobre NFTs é do Eduardo Cardoso.

Eduardo Cardoso é diretor da Pointillé Comunicação, e possui vasta experiência e projetos premiados. Especialista em criação, planejamento de produto, identidade de marca, tecnologia e mídia, entre outros assuntos relacionados à inovação aplicada nos universos de Branding, Design, Publicidade e Comunicação. Recentemente, junto com a artista Juliana Cabeza, iniciou as operações da Cartel Construções, coletivo artístico carioca que explora as fronteiras entre arte, produtos de massa e tecnologia.

Também atua como Embaixador nas blockchains Polkadot, Kusama e Acala, onde estão sendo desenvolvidas soluções de grande escala e baixo custo para todos esses novos protocolos, incluindo os NFTs.

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas visuais nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

A Lei Aldir Blanc e a cadeia da cultural do Brasil

Essa é uma frase que ficou bastante conhecida, e desde que começou a pandemia, acho que vimos muitos momentos que essa frase poderia ser empregada. E vimos também como foi a cultura, tão negligenciada pelo governo atual, que pode nos oferecer algum momento de sanidade em meio ao caos que vivemos.

A partir desse cenário onde profissionais da cultura e toda a sua cadeia se viram da noite para o dia sem nenhuma renda e sem direito ao auxílio emergencial, e com iniciativa da deputada Benedita da Silva e aliados, o congresso aprovou a LAB, mais conhecida como Lei Aldir Blanc.

De forma geral, pela primeira vez no país os 5570 municípios do Brasil teriam acesso a uma verba do fundo de cultura e poderiam através desse dinheiro distribuir sob forma de editais, prêmios e outras iniciativas verbas para que a nossa potente máquina cultural brasileira pudesse continuar a girar.

É bem verdade que esses R$ 3 bilhões que foram direcionados sempre foram da cultura, mas nunca foram utilizados para tal. E que também acho que poderia ter sido distribuído de forma mais justa, mas uma coisa foi e está sendo linda, estamos vendo profissionais que nunca tiveram acesso a verba pública poder colocar suas ideias para fora.

Sabemos que a lei não é suficiente, e também gostaríamos que ela fosse algo recorrente todos os anos independente da pandemia, pois é dever do Estado fomentar aquilo que nos torna únicos: A NOSSA CULTURA.

Da nossa parte, estamos tentando fazer o melhor com isso.

Carolina Herszenhut

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas visuais nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

O CLUSTER DIGITAL

“Salve Como é que vai? Amigo há quanto tempo Um ano ou mais…”

(‘Amigo É Pra Essas Coisas’ — Aldir Blanc)

Há um ano e pouco, começamos a nos informar sobre uma nova doença, um novo vírus que alterou a história, que de lá para cá já vitimou fatalmente quase três milhões de pessoas no mundo. Dentre elas, levou nosso grande poeta Aldir Blanc, em maio de 2020. Nesse cenário catastrófico, além de impactar a economia global, foi especialmente cruel com toda cadeia produtiva da cultura. E Como forma de mitigar os efeitos da pandemia do Coronavírus, foi aprovado no congresso nacional o projeto de lei de iniciativa da Deputada Benedita da Silva, batizado como Lei Aldir Blanc, que liberou 03 bilhões de Reais para Estados e municípios realizarem editais específicos para o setor cultural.

Dentro desse processo de incentivo, O Cluster foi contemplado pela sua história e relevância, no edital ‘Fomento às Artes’, da Secretaria de Cultura da Cidade do Rio de Janeiro, que juntamente com outras cinco linhas de editais, visou aplicar no mercado, quase 40 milhões de Reais, incentivando algumas centenas de projetos, artistas e produtores.

O Cluster Digital, com o auxílio da lei Aldir Blanc, realiza pela primeira vez essa versão exclusivamente à distância, utilizando a web como espaço de fomento à economia criativa carioca. A adaptação se fez necessária para manter o distanciamento social, a fim de não expor a produção, artistas e público aos riscos de contaminação ao Covid 19.

Carolina Herszenhut, idealizadora do projeto, sustenta o compromisso junto com sua equipe, de apresentar ao público a reconhecida curadoria d’O Cluster, que nesse formato 100% digital se consolida como principal plataforma colaborativa de lançamentos de marcas e iniciativas inovadoras, nas áreas da moda, design, artes, música e gastronomia.

Renato Rangel

Profissional com 28 anos de experiência ininterrupta na área de comunicação, articulação cultural, produção e desenvolvimento de projetos. Radialista, iniciou a carreira no Sistema Jornal do Brasil, passando pela Gravadora BMG BRASIL, MPB FM, AfroReggae, Secretarias de Cultura do Município e do Estado do Rio de Janeiro e MinC, representando a pasta junto a Olimpíada do Rio. Fundou a empresa ‘Contexto Projetos’, onde cria conceitos inovadores para projetos culturais de impacto social positivo, com olhar atento para a acessibilidade comunicacional e a sustentabilidade. Transita entre o Rio, São Paulo e Brasília, e atende clientes na área das leis de incentivo à Cultura.

Uma carta aberta de como chegamos n'O Cluster Digital

Para quem não me conhece, me chamo Carolina Herszenhut, estou a frente da Aborda, e gerencio a carreira de 11 artistas visuais e em 5 cidades do país. Mas isso não conta a trajetória de como cheguei até aqui. Sou estilista de formação, trabalhei com moda por 10 anos no Brasil, Nova York, Paris e Londres e em 2012 criei O Cluster a fim de canalizar e viabilizar negócios criativos. De lá pra cá algumas pessoas já conhecem a história, mas para quem não conhece vou contar, quem não quiser ler, pode passar para o terceiro parágrafo.

O CLUSTER

O Cluster durante 6 anos (2012–2018) consolidou como a principal plataforma de canalização e divulgação de agentes criativos no Rio de Janeiro, atuamos também em Belo Horizonte e Recife. Fizemos uns de 40 eventos para mais de 150 mil pessoas. Descobrimos modelos de negócios inovadores passaram por lá em torno de 400 marcas, 300 chefes, 100 artistas além de Djs, bandas e tudo que fosse inovador na cena dessas cidades. Negócios desconhecidos se tornaram grandes, Djs que estavam começando se tornaram famosos. Quem nos conhece sabe que se você quisesse conhecer algo novo teria que ir até nós. ❤

Em 2018 depois de uma mega edição de 6 anos que juntava o Centro Cultural Banco do Brasil e a Casa França Brasil, decidimos parar. Quem me conhece sabe que quando algo não está de fato sendo inovador deixa de fazer sentido para mim e foi assim, pensando em como tínhamos sido importante numa cena criativa, paramos para não nos tornarmos "antigos".

Porém muita coisa mudou desde esse dia e no último ano muito se falou em como a cultura é importante e também muitas "novas verdades" apareceram. Eu para ser sincera não acredito que encontros físicos possam ser substituídos por nada digital, e o que mais vi nessa pandemia foram pessoas numa tentativa frustrada de se tornarem gurus do apocalipse fazendo projetos bizarros.

O Cluster Digital não tem essa pretensão, o que estamos fazendo é uma versão beta a 16 mãos de uma experimentação de formas de canalizar e viabilizar projetos e negócios criativos. Esse é nosso DNA, é nessa busca que nos encontramos e por isso decidimos pensar como poderíamos voltar a movimentar essa cena e centenas de pessoas que assim como nós criam, constroem e se alimentam daquilo que nos falta tanto e nos mantém a vivos: a cultura.

Por isso essa carta, ela é um convite para que você que não nos conhece, se junte a nós e para você que faz parte dessa história volte. Queremos construir essa grande odisséia que inventamos, não sabemos onde vai dar, mas sabemos que será lindo, criativo e novo. Vamos?

TER DE SOBRA O QUE NOS RESTA.

A GENTE ACREDITA NA CULTURA.

O Cluster Digital está sendo realizado com a verba de um prêmio da Lei Aldir Blanc do Município do Rio de Janeiro, uma lei que merece ser celebrada.

Fazem parte dessa equipe eu, Juliana Cabeza, Aline Rodrigues, Flávio Teixeira, Isadora Barros, Renato Rangel, Gabriela Azevedo e Kiko Gasparian, sem eles e mais todas as pessoas que construíram essa história conosco, nada seria possível. ❤

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas visuais nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

A desvalorização do trabalho artístico

Vou abrir esse texto com três definições do wikipedia:

Artista é, de modo geral, uma pessoa envolvida na produção de arte, no fazer artístico criativo. No entanto, essa definição tem variado imensamente ao longo dos séculos e nas diferentes culturas, e seu conceito está diretamente ligado ao conceito de arte, igualmente controverso e variável. Pesquisas científicas tem consistentemente falhado na tentativa de enquadrar o que se entende por artista dentro de parâmetros fixos e de valor universal, mas isso não impede que as tentativas continuem a se multiplicar.

Arte (do termo latino ars, significando técnica e/ou habilidade) pode ser entendida como a atividade humana ligada às manifestações de ordem estética ou comunicativa, realizada por meio de uma grande variedade de linguagens, tais como: arquitetura, desenho, escultura, pintura, escrita, música, dança, teatro e cinema, em suas variadas combinações. O processo criativo se dá a partir da percepção com o intuito de expressar emoções e ideias, objetivando um significado único e diferente para cada obra.

A síndrome do impostor, fenômeno do impostor ou síndrome da fraude, é um fenômeno pelo qual pessoas capacitadas sofrem de uma inferioridade ilusória, achando que não são tão capacitados assim e subestimando as próprias habilidades, chegando a acreditar que outros indivíduos menos capazes também são tão ou mais capazes do que eles.

As pessoas que sofrem deste tipo de síndrome, de forma permanente, temporária ou frequente, parecem incapazes de internalizar os seus feitos na vida. Não importando o nível de sucesso alcançado em sua área de estudo ou trabalho, ou quaisquer que sejam as provas externas de suas competências, essas pessoas permanecem convencidas de que não merecem o sucesso alcançado e que de fato são meras fraudes.

As provas de sucesso são desmerecidas como resultado de simples sorte ou de se ter encontrado no lugar certo na hora certa, ou com uma crença que a própria inteligência e habilidades foram superestimadas.

Dar preço num trabalho talvez seja a segunda coisa mais difícil para um artista, e com certeza a primeira é lidar com como as outras pessoas reagem ou julgam seus preços.

Para começar esse texto vou explicar rapidamente a diferença entre preço e valor:

• Em economia, contabilidade, finanças e negócios, preço é o valor monetário expresso numericamente associado a uma mercadoria, serviço ou patrimônio.

• Valor de um produto é a visão (ou expectativa) do consumidor quanto aos seus benefícios em relação ao que oferece.

Cabe essa diferença nesse texto porque valor está relacionado a visão e preço com o bem tangível, e é nesse alinhamento entre expectativa e realidade que reside o maior problema do artista e faz com que muitas vezes "mercado"ou o comprador desvalorize o trabalho artístico.

Vivemos num sistema capitalista, onde cada vez mais um liberalismo econômico caminha a passos largos e coloca presente o que eles chamam de a "mão do invisível".

O liberalismo econômico consiste no entendimento de que o Estado não deve interferir na economia, pois essa deve ser feita a partir da livre iniciativa dos cidadãos, que devem ser livres para produzir e fazer comércio, sendo responsáveis por si mesmos.

A meritocracia e a valorização do esforço individual são marcantes no pensamento liberal, que coloca como responsável pela riqueza e pelo sucesso, unicamente, o indivíduo. E tendo por princípio máximo a lei da oferta e da procura.

É nesse ponto que acredito começar o que vai se desencadear na síndrome do impostor do artista, pois é quando o mercado começa a dizer que muitas pessoas fazem o que você faz, e por isso, você deve vender mais barato levantando questões de qualidade e relevância daquilo que se faz.

Livrar-se desse estigma muitas vezes parece impossível, pois junto com todas as dúvidas sobre o processo artístico e a qualidade do trabalho vem as contas, e precificar trabalhos intangíveis é tarefa quase impossível. Já vi algumas pessoas dizerem: "Para saber o preço de um trabalho, pegue todos os custos (tinta, pincel, tela etc) e multiplique por X que é o seu tempo", não vou entrar aqui em como precificar um trabalho, pois não é o foco desse texto, porém eu não acredito que essa é a forma correta de fazer, uma vez que ela desconsidera, aquilo que é mais importante em um artista: o trabalho intelectual.

E esse é o ponto onde quero conectar com a desvalorização do trabalho, pois é somente na compreensão e valorização desse trabalho intelectual que será possível sair dessa armadilha chamada síndrome do impostor.

Acho que uma das coisas que mais escuto no meu dia são as pessoas questionarem os preços, a partir disso o que mais faço é explicar o valor desses trabalhos, e é nesse diálogo entre preço e valor, na apresentação de argumentos e fatos que (des)construo a ideia de caro e com isso valorizo o trabalho daqueles que agencio.

Parece fácil colocando assim, porém num país como o nosso onde temos um mercado de arte muito pequeno e desvalorizado é fácil o artista se questionar e com isso não acreditar na potência e no valor do que faz, deixando que clientes sem conhecimento abaixem seus preços. E quando digo preço, me refiro ao valor monetário, mas em muitos casos é também a sua capacidade e posição que são questionados.

Adoraria poder aqui fazer um passo a passo de como evitar a síndrome do impostor no seu trabalho artístico, seria como para relações afetivas como evitar relações abusivas, mas ouso dizer que algumas coisas podem ser feitas:

aceite elogios, acredite naquilo que falam do seu trabalho, principalmente vindo de pessoas de confiança;

ao menor sinal de desrespeito, caia fora;

apresente seu trabalho ao máximo;

nunca duvide do seu valor, ele não é somente o preço do que você faz ❤

Parece coach, me desculpem, rs. E como tudo que escrevo não são verdades absolutas, apenas minhas brisas sobre o mercado de arte. E nesse processo é importante lembrar que o seu trabalho é o resultado de anos de estudo, horas de dedicação, posicionamento político e de mercado entre muitas outras que tem um enorme valor. E pontos como esse que o mundo nos faz a cada dia acreditar que não tem valor, são exatamente os que devem ser valorizados cada vez mais.

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas urbanxs nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

Ou como promover maior diversidade nos dados que alimentam as redes.

O meu trabalho consiste em criar e pensar carreiras sustentáveis para artistas, e umas das coisas que tenho construído é uma “nova jornada para arte” a partir de algo que eu chamo de “arte vendável”.

Bourdieu* no seu conceito de “campo”, apresenta os responsáveis e agentes desse campo, suas atuações e suas trocas simbólicas, e é a partir desses conceitos que Sarah Thornton vai em seu livro “sete dias no mundo da arte” construir uma “jornada da arte”.

Jornada essa que está estabelecida dentro do campo com trocas e papéis absolutamente bem definidos, uma vez que ela apresenta como críticos, galerias, museus, leiloeiros, revistas de arte, prêmios, bienais, feiras, escolas de arte e curadores atuam e se organizam.

Criar e pensar carreiras sustentáveis para artistas, é umas das coisas que tenho construído numa “nova jornada para arte” a partir de algo que eu chamo de “arte vendável”.

Desenvolvo um trabalho centrado em questões contemporâneas e busco entender como esse “novo campo da arte” acontece e como seus agentes se re-organizam. E há muito venho fazendo paralelos dos atuais agentes com os tradicionais e como eles se dão e agem a partir de uma sociedade tão atravessada pela cultura digital e como as mídias digitais tem papel central nessa nova jornada.

Há algumas semanas me deparei com um post no Instagram que ficou na minha cabeça, que dizia o seguinte:

"Desde quando o parâmetro para avaliar o trabalho de artistas virou essa desgraça de Instagram?"

Venho trocando com alguns artistas sobre o uso das mídias sociais como um local para troca com o público e também como plataforma de apresentação de seus trabalhos, e sei que dentro dessa nova jornada da arte, onde a venda é muito atravessada por essa atuação nas redes, a quantidade de seguidores, a forma como um artista monta o seu feed e como ele se comporta são fundamentais para o resultados do “sucesso” pois cada vez mais temos empresas interessadas em comprar e fazer parcerias, que são determinadas por quanto engajamento aquilo será capaz de gerar.

Porém ainda não tinha me aprofundado nessa discussão dos algoritmos e como os dados atuam nesse sucesso e escolhas, e ao assistir a palestra Cadê o futuro que prometeram? de Luli Radfahrer, muitas questões se colocaram para mim.

Luli faz alguns apontamentos que gostaria de destacar:

. A internet não é uma força da natureza, podemos mudá-la;

. Vivemos uma realidade mediada onde não estamos sozinhos e os dados somos nós;

. Vivemos uma tecnocracia, ou seja, uma sociedade onde a tecnologia é divina;

. Estamos numa datacracia,como ele explica, um regime baseado em dados;

Acredito que para entendermos como os algoritmos estão atuando como curadores e críticos de arte, Luli aponta que o digital não é sinônimo de tecnologia é uma forma de relacionamento, dessa forma ele é a representação do real, e por isso precisamos tirar a tecnologia centro e entender que ela é feita por uma pessoa. Como é uma pessoa que é responsável pela coleta, manutenção, propagação dessa tecnologia, de alguma forma esses algoritmos carregam uma ideologia implícita de alguém que faz essa alimentação de dados.

Tudo isso me fez pensar que para além de discutirmos se a tecnologia define a curadoria ou a crítica é preciso questionar, como ela define e como podemos ter uma visão mais plural nessa alimentação de dados, para elaboração desses algoritmos que hoje definem a arte.

Acredito que somente uma maior inserção de especialistas em arte, com mais diversidade será capaz de traduzir em dados o que de fato a arte vem fazendo e questionando nos últimos tempos.

Pois da mesma forma que diferentes filósofos nos ajudaram a definir o embate cotidiano de ideias e a nossa relação com a técnica, o que, de certa forma é um pouco o que faz um crítico ou curador de arte, precisamos ter mais diversidade e pessoas engajadas com a pautas da arte nessa “nova definição de cotidianos, técnicas e arte”.

• Campo, na teoria proposta por Pierre Bourdieu representa um espaço simbólico, no qual lutas dos agentes determinam, validam, legitimam representações. É opoder simbólico. Nele se estabelece uma classificação dos signos, do que é adequado, do que pertence ou não a um código de valores. No campo da arte, por exemplo, a luta simbólica determina o que é erudito, ou o que pertence à indústria cultural. Determina também quais valores e quais rituais de consagração as constituem, e como elas são delineadas dentro de cada estrutura. No campo, local empírico de socialização, ohabitus constituído pelopoder simbólico surge como todo e consegue impor significações datando-as como legítimas. Os símbolos afirmam-se, assim, na noção de prática, como os instrumentos por excelência de integração social, tornando possível a reprodução da ordem estabelecida. (wikipedia)

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas urbanxs nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

ou como pensar novas retóricas através de “Futuros Especulativos”

Discutir novas narrativas tem se tornado cada vez mais urgente, seja para que sejamos agentes na construção das nossas historias, seja para que hajam alternativas aos discursos que nos são oferecidos.

Meu trabalho com cultura e arte sempre esteve atrelado a construção de novas narrativas, desde que comecei a produzir eventos em 2012 quando criei O Cluster, que veio a se tornar a principal plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro, esse era o meu objetivo ter um contra discurso para aquilo que me era oferecido. Trabalhei produzindo, registrando e canalizando toda uma produção criativa que acreditava precisar de holofotes.

Lembro que quando lancei meu livro o "Guia O Cluster Cem Criativos Cariocas" escrevi na apresentação:

"…Registrar a cultura é preservar a nossa memória, proteger a autoria de quem faz, estabelecer um valor de mercado e, o mais importante, reunir todas essas informações valiosas em um só lugar, para que nada disso se perca…"

Essas e outras iniciativas sempre foram feitas para que no futuro nossas memórias pudessem ser formadas a partir de discursos plurais, fiz isso durante muitos anos de forma empírica, buscando meus próprios mecanismos e meios até que tive contato com o se conhece por "FUTUROS ESPECULATIVOS".

LEIA SOBRE FUTUROS ESPECULATIVOS EM MIRADA

Minha intimidade com o tema começou quando conheci o Iris, um projeto idealizado por Fran Limberger e Juliana Proserpio, que tem por objetivo mapear os futuros desejáveis para o feminino, a partir de diversos conceitos, mas sobretudo a partir do que elas chamam de "Futuros desejáveis".

“é a partir do design que transformamos realidades e projetamos o mundo que queremos viver” — Fran Limberger, idealizadora de IRIS.

Foi nesse momento que entendi que todo o trabalho que eu fazia poderia ser aprimorado a partir dessa ciência que até então só conhecia fazendo. Dessa forma entendi que para discursos como os que estava criando havia uma técnica e que tudo já estava sendo estudado.

Uma das coisas que que aprendi foi que pensamos o futuro de forma preditiva, que nada mais é do que pensar um curso natural das coisas como: nascimento, crescimento, casamento, filhos, velhice e morte, ou mais do que isso, prever o futuro analisando o passado, por exemplo: se nos últimos X anos foi assim, precisamos de mais Y anos para fazer "tal"coisa.

Porém o que foi um divisor de águas para mim e consequentemente para o meu trabalho foi quando eu entendi que poderíamos construir novos futuros usando a simples expressão:"E SE?"

"Não é sobre predizer o futuro, mas em usar o design para investigar todas as possibilidades e abrir a discussão, o debate e assim coletivamente definir o futuro preferível de certo grupo de pessoas: de empresas, a cidades, a sociedades." — Speculative Everything, Dunne & Raby

E esse texto é sobre isso, como essa metodologia me auxilia e pode nos ajudar a criar novos discursos num momento onde tantos movimentos urgentes fazem usos de novas narrativas para a construção de futuros melhores. E como elas mesmo dizem, para criar futuros algumas premissas precisam ser vistas e duas delas são impensáveis que não sejam sempre levadas em conta: ÉTICA e DIVERSIDADE.

Para saber mais sobre Futuros Especulativos siga Mirada.

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas urbanxs nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

Ou como aplicar as teorias do marketing na sua carreira artística

Esse é um texto resumo do meu workshop “O Mercado Artístico” onde ensino sobre o que eu chamo de “Nova Jornada da Arte”. No workshop falo sobre precificação, posicionamento no mercado, parceria com marcas, comunicação e muito mais.

Nele desmembro toda essa jornada e todos os parceiros e posicionamentos necessários a ela, e tenho certeza que ao escrever esse texto estou ciente de que alguns não irão gostar desse paralelo entre arte e marketing, alguns não, acho que muitos…

Porém vou defender aqui, aquilo que mais me move e me faz pensar nos último tempos, uma arte “vendável e produtizável”.

Paralela e bastante distante de uma jornada tradicional que coloca a arte num pedestal e constrói o seu mundo a partir de críticos, galerias e galeristas, feiras de arte, revistas, leiloeiros, museus e bienais, essa nova jornada, dialoga com símbolos, pessoas, instituições e iniciativas que mais parecem um plano de marketing.

Se pensarmos que nessa nova jornada da arte, como uma jornada que inclui novos participantes como: mídias sociais, empresas, colabs, festivais e outros, fica fácil entendermos que o posicionamento de um artista no mercado nada mais é do que um "plano de negócios", e todo plano de negócios tem um bom "mix de marketing".

Vou colocar aqui os tão famosos 4 Ps do Marketing, também conhecidos como Mix de Marketing ou Composto de Marketing, são os 4 elementos básicos que compõem qualquer estratégia de marketing para alcançar um público: Preço, Praça, Produto e Promoção.

Aproveitarei para mostrar como essa estratégia pode ser usada na arte e entender que cada trabalho do artista, uma tela, um painel, um print, um produto com estampa e até mesmo uma fala num evento pode ser entendido e posicionado a partir desses 4Ps.

Produto

O primeiro dos 4Ps refere-se àquilo que a empresa oferece para sanar um ponto de dor ou uma necessidade do consumidor. Ele pode ser tangível (objetos e bens de consumo) ou intangível (serviços e informações).

• Como as pessoas interagem com o que eu faço?

• Telas? Prints? Produtos? Murais? Digitais? Cursos? Palestras?

• Como, quando e onde o cliente vai utilizá-lo?

• Como ele se diferencia dos outros artistas que já existentes no mercado?

Preço

O preço é o valor de venda do produto, o quanto ele custa para a aquisição pelo cliente. Essa definição é importante não apenas para o sucesso de um negócio, mas para a sua sobrevivência. O preço — valor percebido, deve ser formado com base na estrutura de custos da sua fabricação, tributação e venda.

• Qual é o valor do seu produto ou serviço para o comprador?

• Quais são as faixas de preço para produtos e serviços?

• Qual é o comportamento do cliente em relação ao preço? Quanto ele está disposto a pagar pelo que você oferece? Qual é o limite de preço?

• Existe a necessidade de criar ações de preço específicas para segmentos de público (pessoas jurídicas, físicas)?

• Como seu preço se compara ao de outros artistas?

Praça

De forma geral, a praça, ou ponto de venda, diz respeito ao local de distribuição e logística do produto ou serviços da empresa para o consumidor final. Ou seja, onde o produto é oferecido.

• Onde as pessoas acham seus trabalhos?

• Exposições? Sites? Festivais? Galerias? IG? Atelier?

Promoção

O último “P” diz respeito à promoção que engloba todo o plano de comunicação, divulgação, estratégias de aquecimento das vendas e execução de estratégias de marketing de uma empresa. Ou seja, tem o sentido de promover uma marca e o que ela oferece, de modo a fazer dela uma escolha natural de consumo para o seu público.

• Onde você pode passar, de forma efetiva, as mensagens do seu trabalho?

• Quais são os melhores canais e ações para apresentar seus trabalhos para possíveis clientes?

Esses pontos mostram como para pensar o artista hoje é preciso ir além do trabalho em si, é necessário entender todo o jogo que está por trás e como jogá-lo. Essas são algumas de muitas regras para entrar melhor em campo, aproveite!

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas urbanxs nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

Pequeno guia para melhorar seu trabalho artístico

Há alguns dias participei de uma live para falar sobre o papel de uma agente na carreira de um artista, falamos como essa relação funciona e em como um agente trabalha na construção da carreira, na valorização do trabalho, em como é importante entender os diferentes artistas e como trabalhar com eles de forma singular e como a valor do trabalho intelectual do artista é importante na ocupação de um novo e importante lugar social.

Muitas das dúvidas surgiram por parte dos artistas de como conduzir suas carreiras, deixo aqui o vídeo completo dessa conversa e listo alguns pontos que comento com mais profundidade no vídeo. São pequenas dicas que fazem parte do me dia a dia como agente que parecem bobas mas se forem seguidas com certeza trarão resultados.

DICAS:

. Foque no seu melhor trabalho, você tem que ser conhecido por algum estilo, não precisa fazer tudo;

. Tenha um bom portfólio;

. Defina algo que te represente como artista;

. Trabalhe na retórica do seu trabalho, descreva seu percurso, suas referências e resultados;

. Divulgue seus melhores trabalhos e aqueles que mais representam seu estilo;

. Use as redes sociais para falar do seu trabalho, processos artísticos, se aproprie do seu "tema";

. Faça uma planilha de custos dos trabalhos antes de fazer um orçamento, orce todos os detalhes;

. Deixe claro entregas e prazos;

. Cumpra tudo que oferecer, entregar bem é bom para você mais do que para qualquer outro;

. Nunca aceite menos do que gostaria, no final você nã vai estar satisfeito;

. Cerque-se dos seus pares, troque sobre seu trabalho com outros artistas sobre valores, trabalhos e dificuldades.

A revolução se faz com luta e também com arte!

Ao longo de 2019 tive a oportunidade de empregar minha experiência acumulada no agenciamento de artistas. Começando com meu trabalho com a Rafa Mon cuido de toda negociação e posicionamento do artista no mercado. Essa interlocução especializada com as marcas e instituições permite ao artista se concentrar na evolução de sua obra, evitando assim amadorismos e desgastes inerentes à precificação e negociação de cada trabalho, algo que exige experiência, distanciamento e estratégia.

Nessa nova empreitada consegui não apenas aumentar expressivamente o fluxo de trabalhos realizados nos anos anteriores, como também aumentar em 60% o valor de mercado.

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas urbanxs nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

Transcrição na íntegra de uma conversa entre Carolina Herszenhut e Diego Mouro sobre agenciamento artístico que aconteceu ao vivo no Instagram no dia 23 de abril de 2020.

D. A gente tá puxando esse papo, eu e Carol, por ser um interesse comum nosso, mas principalmente questionamentos que eu tinha antes da gente trabalhar junto. Pra quem não sabe, a gente é parceiro, Carol é minha agente… produz as coisas, faz a correria toda que eu não dou conta de fazer e nem tenho capacidade de fazer e antes de eu trabalhar com ela eu tinha essas duvidas de como era trabalhar com alguém produzindo e tudo mais… Então a gente resolveu fazer essa live pra esclarecer essas dúvidas, algumas perguntas que vocês mandaram pra gente antes. Então, acho que é isso. Carol quer falar um pouquinho?

C. Eu acho que é isso né. A gente tava conversando né, e você fez a live com o Alberto, e aí surgiram várias perguntas e aí a gente achou pertinente, eu também, várias pessoas sempre me perguntaram assim… e eu acho que a gente pode começar do roteiro que a gente fez em cima das perguntas que as pessoas mandaram. A gente estruturou mais ou menos em cima do que a gente achava importante falar e da nossa relação e de coisas que são sempre dúvidas que surgem e eu acho que você podia contar isso né, como você achou que precisava de alguém e aí depois alguém pergunta, enfim. A gente pode emendar uma coisa na outra. Eu separei nuns blocos que eu sou meio…

D. É, a gente preparou uns tópicos, galera. Vocês vão interagindo aí mas são uns tópicos que vão guiar a gente pra conversa que a gente queria e que a gente acha relevante de fazer. Porque o que acontece, tem muitos artistas que, eu to vendo vários artistas amigos aí e é uma conversa que eu já tive com vários deles que é como a gente consegue monetizar esse trabalho de arte que é tão difícil pra gente ainda mais a maioria da galera que tá por aqui que trabalha muito com arte urbana e outras vertentes de arte, então, pintura, ilustração digital, lambe, tem gente de fotografia… e a gente sempre conversava sobre essa possibilidade de ter alguém para representar a gente e fazer esse trabalho de vendas né, não vendas mas alguém que pensasse mais comercialmente o trabalho porque, e essa é uma coisa minha e eu sei que muitas das pessoas tem, a gente acaba tendo um pouco de dificuldade de comercializar o trabalho por ser algo muito pessoal, tem uma ligação muito romântica nossa com o trabalho, muito pessoal né… e aí é difícil tu conseguir transformar isso num produto, sabe. A gente tem uma dificuldade imensa em ver o trabalho artístico com um produto né. Eu tinha uma dificuldade imensa nisso, ainda tenho, e por isso eu me agreguei à Carol. E o que acontece é, a gente sempre vê, por exemplo, artistas de arte contemporânea trabalhando com galeria e a gente que tava em arte urbana meio que não sabia como chegar nos clientes, grande parte das pessoas que tão nesse espaço não são pessoas que tem formação acadêmica então a gente não conhece os atalhos da academia, a gente não conhece os atalhos para residência artística, a gente não conhece os atalhos de edital né. A gente aprende muito no fluxo do fazer e nisso a gente acaba deixando passar muita coisa… e nessa correria a gente se perde porque às vezes a gente tá muito tentando só vender o trabalho e não tá produzindo nada, as vezes a gente tá muito produzindo e não consegue pensar estrategicamente em carreira, em como alcançar alguns objetivos. A gente mal consegue pensar mais à longo prazo assim né… e nessas conversas que eu tinha com as pessoas sempre batia o mesmo medo assim, o medo de trabalhar com alguém que só pegasse o nosso trabalho pra vender e vendesse a rodo o trabalho, colocasse o trabalho em todos os lugares possíveis e que fosse só isso. Fosse alguém que não tivesse o mínimo de cuidado e empatia com essa nossa construção como artista, na construção da obra, da poética, do conceito, ou seja lá como for. Então sempre rolou muito medo disso né, com quem eu me alio pra fazer isso né… a gente sempre acabava, pelo menos as pessoas que eu conheço, sempre trabalham ou com namorado, namorada, tio, tia… a gente acaba indo pros lugares de proximidade e eu cheguei num lugar que eu não tava mais dando conta, eu senti que pra mim tava estagnado, eu não conseguia mais dar passos, quer dizer, eu até conseguia, mas era muito custoso pra mim dar passos que eu queria dar pra atingir alguns objetivos e ai eu comecei a procurar alguém pra trabalhar comigo e a Carol apareceu, assim. (Risos)

Eu já vou contar um pouco como a gente conheceu. Eu já tinha visto a Carol, pra quem não sabe, a Carol já é agente de outros artistas também, ela agencia a Rafa Mon lá no Rio de Janeiro, e agencia a Mura aqui em São Paulo, as duas também trabalham com arte urbana, são muralistas, além de outros tipos de trabalho. E eu já tinha visto o trabalho da Carol com a Rafa, a Rafa é minha amiga e a Rafa já tinha falado comigo da Carol e eu já tinha acompanhado o trabalho dela mas é isso… eu não sabia como chegar pra falar sobre isso, várias vezes ensaiei mandar mensagem, falei “vou mandar”, “não vou mandar”, a gente é meio cara de pau mesmo e acho que, cada vez mais, tem que ser. Aprendi isso com a Carol, Carol diz que tem que ser cara de pau mesmo. E aí, no não falar, um dia, a Carol me procurou, como produtora de um projeto, pra fazer um orçamento comigo. E, nesse orçamento, eu falei “nossa, que massa, você me procurando, eu já queria falar com você” e não sei o que, ela “olha, que legal, então vamos conversar”. E foi assim. A gente firmou essa parceria, estamos começando agora, pra mim é muito novo. Eu, que considero que meu trabalho não é um trabalho muito comercial e vendável, eu vejo um desafio e Carol topou esse desafio também. E tá sendo massa a gente construir isso juntos.

Acho que já vou aproveitar e entrar no primeiro tópico. Uma das perguntas, já que a gente tá falando de artistas… O Ismael que mandou, é um amigo meu, não sei se ele tá ai. O Ismael é um fotógrafo e ele perguntou se você acha que todo artista tá pronto pra ter um agente ou não, se existe um tempo, algum amadurecimento que precisa ser necessário para trabalhar com agente ou não.

C. Antes eu queria, rapidinho, me apresentar. Eu sou a Carol. (Risos) Eu trabalho com cultura e arte fazem exatos 8 anos. Antes eu trabalhava com moda e foram coisas que foram surgindo assim, eu tenho uma produtora já há 8 anos, eu desenvolvo projetos culturais sempre autorais assim, com as grandes marcas e as grandes instituições de cultura do país, incluindo prefeituras, museus… então eu tenho projetos com CCBB, com o Museu do Amanhã, com a prefeitura do Rio, com o governo de Pernambuco, com grandes empresas como a Heineken, a Red Bull, a Skyy, enfim, consulados… Eu sempre tive essa parceria assim, ao longo desse processo, de fazer projetos muito bem feita, assim, por conta de relações que eu fui construindo ao longo do tempo entre instituições públicas e privadas, entre setores não governamentais e governamentais, enfim, é isso eu fui construindo ao longo do tempo. E o agenciamento, ele surgiu, em 2000 e… no início do ano passado (2019) por uma insistência da Rafa, que queria uma agente. E aí eu acho que entra um pouco nessa questão de se todo mundo tá pronto. O Diego comentou uma coisa que eu acho que é a primeira pergunta sobre estar pronto. Hamlet diz que estar pronto é tudo, quando você diz que tá pronto, você tá pronto e aí você vai. (Risos) Eu acho que a primeira coisa é: você quer vender? Eu acho que essa é uma pergunta muito importante para ser feita. Eu sempre que converso eu faço sempre duas perguntas. A primeira é: você tá pronto pra vender? E a segunda é: você tá pronto pra um casamento? Porque é um casamento né, o Diego comentou isso né, às vezes várias parcerias que são feitas comerciais são feitas com pessoas queridas, assim do seu convívio, pequeno, do seu núcleo familiar. Só que a verdade é que assim, é uma parceria igual o núcleo familiar né. Tem que ter uma confiança e tem que estar ali disposto a essa jornada, que eu digo, que é uma jornada a longo prazo né, não é uma jornada a curto prazo. Então eu acho que assim, se todo mundo tá pronto, eu não sei se tá todo mundo pronto. Isso é uma pergunta que é interna. É aquela piada do mineiro né “Donqueuvim? Pronqueuvou?”. Aonde que eu estou e pra onde eu quero ir. Isso é muito importante né. Você pode não saber como você vai chegar mas aonde você quer ir é muito importante. E aí eu acho que essa é a pergunta. E ai no meu caso é muito mais isso. Você tá disposto a ter um trabalho comercial? Porque você pode dizer “Não, eu não estou. Eu faço isso por um outro motivo. Isso tá só ligado à minha necessidade de expressão e eu não quero vender”. Porque, como agente, e como esse lugar de empresariar um trabalho, a venda ela é o resultado óbvio e direto desse trabalho que a gente faz né. E ele não é a curto prazo, ele é a longo prazo. Então eu acho que é uma pergunta muito mais que tem que ser feita do artista para ele mesmo né, do que eu dizer se tá pronto ou se não tá pronto. É claro que tem trabalhos que eu olho, tem pessoas que me procuram e eu falo “não, eu não quero vender isso”. Eu não quero vender e não é por gosto, porque assim, o que tem na minha casa não tem absolutamente nada a ver, às vezes, com o que eu vendo. Tem a ver com o que eu entendo que o mercado está disposto a comprar, digamos assim. E bem você falou e eu acho que é importante a gente colocar. Existe uma jornada que é uma jornada tradicional da arte que ela inclui as galerias, ela inclui as feiras de arte, ela inclui os leilões, ela inclui os curadores, ela inclui os críticos, as revistas de artes… isso é uma jornada tradicional da arte né, tem aí milhares de, enfim, estudos sobre isso. Quando você vai pra um lugar dessa arte urbana, essa nova jornada está sendo construída e ela inclui, a gente até falando de coisas que a gente ia falar mais pra frente, ela inclui outros players né, e esses muito comerciais que são as empresas, então isso é muito importante… Estar disposto a assumir essa relação com essas entidades é a primeira pergunta que o artista tem que se fazer. E aí quando você pergunta dessas entidades, não quer dizer que seja qualquer entidade.

D. É, esse era um ponto que eu ia falar. Esse era o lance do medo que aparecia. Se a gente se vende a todo e qualquer preço e perde inclusive a essência do próprio trabalho. E essa tá sendo uma descoberta massa com você né, que é entender o quanto você tá disposto a tornar o seu trabalho um produto né, produtificar ele. E quando eu digo isso, não é tirando o valor que ele tem como expressão, como poética, como conceito mas principalmente fazer as pessoas que tem dinheiro suficiente ou que as pessoas entendam o valor disso e que isso é passível de ser comprado e adquirido né. Sejam as empresas, se a gente tá falando de mural ou se a gente tá falando de tela, é realmente entender que em algum lugar, caso você queira viver, financeiramente, disso, seu trabalho é um produto porque no fim todo trabalho, em parte, é. Todo trabalho que está disponível à venda, é um produto né, quando ele termina.

C. É e eu acho que também é entender né, que eu acho que uma das questões as vezes que fica e eu acho que passa um pouco quando você tem artistas que tem um lugar assim, de uma potência, de manifesto muito grande né. Eu acho que o seu trabalho passa por aí mas ele não está tão por aí. Eu acho que você tem uma fala, tem um lugar. Mas você sabe reconhecer que tem artistas que são muito mais pautados nisso, que estão muito mais, vamos dizer assim, até presos nesse lugar do manifesto. Acho até de entender a potência que isso tem, de mudança, quando você amplia isso para outros lugares né. Porque não é porque você faz um trabalho que você acredita que ele é passível de mudança que ele tem que ser uma mudança que se dá em um núcleo pequeno né. A gente também pode usar essa maquina, e essa estrutura de venda para amplificar essa fala. Eu acho que isso é uma construção que se faz conjunta. Eu acho que essa coisa do preço né, é sempre uma questão. A maior questão do artista, e eu já conversei com muitos, sempre se dá nesse lugar do preço. Primeiro porque eu acho que a primeira pergunta é essa: você quer vender? E depois quando você quer vender, é “beleza, você quer vender e você quer vender por quanto?”. E aí é que dá aquele nó né. (Risos)

D. E a gente tem a pergunta principal, principalmente a gente que tem um trabalho mais alinhado politicamente que é exatamente pra quem né. Que nem você falou, por quanto e pra quem né?! Qual é o jogo que se joga. É importante a galera que tá perguntando e não sei, para quem está ouvindo, mas entender que essa também é uma construção agente x artista. É uma coisa que a gente constrói junto. Carol está completamente alinhada, e sabe exatamente o que eu gosto, quais são os meus conceitos, quem são as empresas que eu gostaria ou não de trabalhar. Os conceitos que eu estou alinhado. Existe um respeito mútuo. É um casamento mesmo. Existe um respeito extremo a esse lado de construção de identidade artística mesmo. Eu, pelo menos, pra mim foi um processo quebrar esse preconceito, do tipo: ‘Diego, você vai ter que mudar o seu trabalho e encaixar ele no que as pessoas querem.” E nunca foi isso, a nossa conversa em nenhum lugar foi para esse lugar. Foi só como adaptamos o discurso né, como a gente muda o discurso para que as pessoas entendam a sua mensagem e comprem ela e vendam. Enfim.

C. Eu acho até que tem uma pergunta, acho que foi até da Ianá, sua amiga, não é?

D. Sim, Ianázinha, um beijo!

C. Eu nem sei se ela está ouvindo. Ela fez uma pergunta que eu acho que é sempre essa pergunta um pouco que fica né… Qual é a minha função nessa parceria, eu acho que essa é a maior questão. É sempre muito engraçado quando você fala de ter um agente, o primeiro ponto das pessoas é ter um certo receio no sentido tanto de uma divisão financeira e monetária, do tipo: bom, eu vou ter alguém que só quer se aproveitar do que é o meu trabalho. Naquele lugar bem clássico da mais-valia do capital. Ou é alguém que vai junto comigo construir alguma coisa. Eu acho que esse lugar do agente, se a gente pensar, é porque ele ainda é muito novo se a gente entende ele na arte plástica, vamos dizer assim… Vamos falar da arte plástica, dessa arte que não é como o ator que sempre teve um modelo de agenciamento ou um músico que sempre teve um modelo de agenciamento. Isso é como se dão essas duas indústrias, tanto dos atores quanto da música, ela já se dá em cima de uma estrutura de agenciamento, de entender que ele é um parceiro. O agente ele se coloca como um hub de conexão, no sentido de que é ele que vai, por exemplo, capitanear, no sentido, enfim, de organizar isso para que o trabalho se dê. E aí é quando de fato esclarece o lugar do agente é a diferença do agente e do produtor. Eu acho que, e até uma das coisas que pra mim vem, é onde eu chego nesse lugar, é de conhecer muito esse lugar do produtor. E eu já falei isso varias vezes pro Diego e eu falo isso várias vezes para os artistas que eu trabalho que assim, eu conheço muito bem o lugar do produtor. Não sei se tem algum produtor que está aqui ouvindo e depois vai me xingar, mas eu vou falar. Que é o seguinte, o produtor tem por estrutura do negócio dele, trabalhar na oportunidade. Então assim, sem encarar a palavra de uma maneira ruim, o produtor é um oportunista. No sentido de que ele entende que existe um projeto, ele pega esse projeto e diz: “beleza, quem é o artista que está no mercado que pode ocupar esse lugar?!” e aí ele faz esse casamento pontual de um projeto com um artista. Aquele projeto acaba, aquela oportunidade acontece, acaba e cada um vai pra um lado. O lugar do agente é diferente porque é um casamento, não é só você ir na balada, conhecer uma pessoa e voltar pra sua casa. Você volta e você precisa reconstruir aquilo e entender de que maneira aquilo foi feito, como foi feito, foi bom, não foi bom, que frutos a gente leva pra frente, que maneira a gente poderia ter feito aquilo melhor ou de que maneira aquilo se conecta com outras possibilidades. Então, o agente ele tem esse lugar de planejamento que eu acho que é o que você falou, né Diego, é um planejamento a médio/longo prazo, diferente de um produtor. E eu acho que o maior medo do artista é que quando ele não entende que pode ter essa pessoa. E aí, eu vou te ser super honesta, eu conheço poucas pessoas e posso te dizer que não conheço ninguém que faça o que eu faço. Porque é isso, existem os produtores. E existem esses produtores que agenciam alguns outros artistas. Eu não produzo mais, quando eu fui te procurar foi uma oportunidade que a gente tava no meio da quarentena, eu falei “cara, vou pegar esse trampo aqui”, eu falei “vou ali e vou arrumar esse job” foi meio isso. Mas eu não faço isso, porque é óbvio que o produtor ele está num lugar sempre, vamos dizer assim, a galinha dos ovos de ouro do produtor não é o artista, é o cliente. E a galinha dos ovos de ouro do agente é o artista, não é o cliente. Sempre quando eu for lutar por um direito, ou por uma melhoria, por qualquer coisa… Vai ser em nome do meu artista e não em nome do cliente. É claro que é o meu lugar fazer essa ponte, estabelecer essa relação para que ela seja duradoura e para que a gente possa estar no mercado fazendo isso. Mas tem uma inversão de lugar. E eu acho que isso que talvez não fique claro quando a gente não entende o agente diferente do produtor. Eu acho que é isso.

D. Eu ia dar uns exemplos nossos. A Estela está perguntando, eu vou juntar o que a Estela falou com a Ianá. Estela, a gente tá trabalhando há pouco tempo, acho que se tem 2 meses é muito.

C. Acho que deve ter 1 mês e meio.

D. Foi depois que aconteceu o caos da pandemia. E pra mim, é um processo muito novo. Porque é isso, a Ianá falou isso e é verdade. A gente que vem como artista visual, não é um lugar muito comum. Não existem agentes e por mais que a gente tente achar o que a gente acha são produtores e o produtor acaba ficando, pra mim pelo menos, era positivo quando eu trabalhava, porque eles acabavam ficando na parte de produção. Então a parte burocrática de ter que ligar para fornecedor e tudo mais a gente não lidava. Mas eu não conseguia pensar à longo prazo em algumas ajudas que eu precisava. Então o que tem sido mais gratificante pra mim e esse é um exemplo que eu dou. Porque eu comecei a caçar isso? Eu, Diego, cheguei num lugar em que eu, como a Carol falou, os meus círculos próximos eu já tinha alcançado. Você chega nos seus amigos, depois chega nos amigos dos seus amigos, e ai amigos dos amigos dos amigos. Só que eu não conseguia chegar em lugares que eu queria chegar, por exemplo, eu tinha a ideia pintar em outros estados e não sabia como. Além de sentar e esperar ou bater na porta de festival. Aí eu chego pra Carol e falo “Carol, cara, aconteceu isso, isso, isso. Conheci tal projeto lá em Recife, quero ir.” O que a Carol me diz é: “Beleza! Vamos pensar como fazer isso acontecer, vamos planejar, escrever um projeto. Vamos correr atrás de alguém que pague, pensar em qual marca entra pra ajudar ou qual empresa”. E tudo isso eram coisas inimagináveis porque antes eu tinha que fazer tudo isso sozinho. Eu tinha que pensar como fazer, pensar no projeto, descobrir o contato de alguém para ir atrás com a cara lavada perguntar, pedir um contato né. Agora com a ajuda da Carol, eu consigo tipo, sei lá, “Carol, segundo semestre queria parar tudo e pintar só tela, a gente pegar alguns projetos pontuais para bancar esse tempo que eu vou ficar aqui parado, tu me ajuda a pensar como a gente consegue arquitetar isso, como a gente consegue organizar”, e ela “ah não, vamos pensar, vamos organizar”. O que eu tenho sentido nesse tempo é que é realmente uma troca de ganha x ganha. Os dois lados ganham. Inclusive essa live, é um pensamento sobre isso. Para que eu ganhe com essa troca, você ganhe, mas principalmente todo mundo que está assistindo entenda. Porque eu acho que é um caminho possível que não existia até então, até eu trabalhar com você era só uma busca, um horizonte possível. Hoje em dia eu já consigo ver que é palpável, é uma coisa que já tá acontecendo. Existe um caminho possível, a gente tá construindo ele, trilhando ele juntos. Isso por si só já é muito valioso pra mim né, já faz valer tudo a pena.

C. É, eu acho até que assim, pensando numa outra pergunta que surgiu, eu acho que tem bem a ver com isso. Como essa discussão de projeto se dá e eu acho que isso é uma questão sempre. É óbvio que as vezes eu vou olhar um negócio e vou falar: “nossa, isso aqui é uma oportunidade”. Eu até vou dar um exemplo, eu não sei se a Rafa tá na live, a Mura tá. Mas a Rafa é uma artista que eu tenho que é extremamente comercial, a gente faz muito licenciamento de produto. É uma “fora da curva” de licenciamento de produto no Brasil, a gente faz muito, muito, muito, de todo tipo que possa imaginar. Ela tem por desejo, de fato popularizar o trabalho dela, é um ponto que ela tem muito interesse. Então, o que funciona pra ela, não necessariamente funciona para você.

D. Era isso que eu ia falar, você tem artistas diferentes, com objetivos diferentes e se adapta a cada um.

C. Completamente diferentes. É isso. Por exemplo quando a gente começou a trabalhar né, a primeira coisa que eu peço é que a pessoa me mande um portfólio. Tem gente que diz “não tenho”, aí você fala: “bom, beleza, então a primeira coisa que a gente tem ter é um portfólio”. Você me mandou um portfólio, e eu falei “bom, mas esse texto aqui a gente tem que refazer porque eu leio, leio, leio e não sei tenho a menor ideia do que você faz, eu releio e eu não sei o que você faz”. E isso é uma coisa que é uma construção, então essa coisa da discussão dos projetos é muito importante. Porque primeiro, eu acho que tem um lugar na relação. Uma vez eu fui numa conversa, contei isso já pro Diego, até postei no meu Instagram. Eu fui numa conversa sobre agenciamento musical e nesse agenciamento tava o primeiro agente da Anitta, apesar de ela dizer que nunca teve agente, ela teve. Tava o agente que é do Chitãozinho e Xororó. Tinha a Flora Gil, que todo mundo sabe quem é. E tinha um agente que faz todos os pops; Barão Vermelho, Suricato… esses pops todos! E aí o agente da Anitta falou uma coisa que era muito interessante, ele estava inclusive falando sobre esse posicionamento da Anitta, de ela querer não ter um agente, ela fez essa escolha e ela hoje atua dizendo que ela é a própria agente dela. E ele fala o seguinte, que é uma coisa que a gente já conversou e que eu sempre digo quando alguém me chama pra conversar. Do tipo: “o que é o seu trabalho?”, e eu digo: o meu trabalho é poder fazer tudo que o artista pode delegar para ele fazer a única coisa que só ele pode fazer, que é a entrega artística. E eu acho que isso é uma coisa importante, né Diego, porque essa coisa da relação tem muito a ver com isso, a relação da venda do artista, a relação de qualquer venda, seja ela de qualquer produto. Às vezes ela é uma relação longa. Ela tem um tempo longo.

D. Até pra colher resultado né.

C. Exatamente. Até por exemplo isso, quando você vai fazer um projeto grande, a gente pega um mural. Você fez um mural do Mandela aí em São Paulo. Eu não sei quanto tempo demorou essa negociação, e ela pode ser uma negociação muito rápida e muito legal, muito tranquila. Onde você tem um cliente muito incrível e ele vai te deixar totalmente tranquilo. Você só vai ter que resolver os problemas de produção e aí a gente tá falando de um produtor local, que é o que você está mais habituado e você conhece. Quando eu falo de um produtor eu não to falando esse produtor que é um produtor local, eu estou falando de um produtor dono da produtora que junta agência. Porque as produtoras fazem isso, elas juntam o cliente, agência e artista. E aí o que acontece é que esse tempo, essa régua é muito grande. Então você passa boa parte do processo discutindo essa relação que vai desde layout, valor, prazo de pagamento, tinta que vai usar, segurança que vai ter pro artista pintar. Porque é isso, você não vai subir no muro de qualquer jeito e tem gente que quer que você suba de qualquer jeito. Tem um monte de questões que são nuances desse processo que às vezes é tão desgastante, que na hora de você fazer a única coisa do seu trabalho, que é pintar, que é pra ser a melhor parte do processo. Porque entregar bem é bom pro cliente, mas é muito melhor pra você porque é do seu trabalho que a gente está falando. Você já entrega de saco cheio, você já não aguenta mais, você entrega de qualquer jeito. Porque você não suporta mais aquela relação, você tem ódio daquela pessoa.

D. só quer entregar

C. Só que você quer entregar. E essa coisa que é muito interessante de estar em qualquer parceria é o fato de você poder não ter ódio do cliente. Você pode entregar pro cliente, pra que ele se torne de fato um cliente e não só um comprador. Porque tem uma diferença entre um cliente e um comprador. O cliente pode te indicar para outros trabalhos, isso que é interessante de pensar. Isso pode ser feito de uma maneira muito boa, e ser sem desgastado. No caso, sempre é. Porque quando o cara não quer te pagar “A”, ele quer te pagar 1/3 de “A”, isso te ofende de um jeito que é um absurdo. A mim não ofende em nada.

D. Ah, tem uma coisa que eu acho massa de falar de valor. Estamos falando de negociar valor. A gente como artista acaba ficando numa ponta muito fraca da corda porque é isso, a gente precisa da grana. O trampo é uma correria do caralho. Por mais que a gente tente engrossar o caldo, as vezes não dá, às vezes a gente acaba topando. E eu queria deixar uma coisa clara em relação à Carol. Carol fala de preço e desse negócio de negociar valor mas nunca que Carol vai me proibir de fazer um trabalho que eu queira, inclusive sem ganhar dinheiro. Não é só sobre ganhar dinheiro, a gente tá falando de planejamento, de construção de carreira. Tem projetos que eu quero fazer por minha conta que eu falo: “Carol, criei um mural, estou pintando no interior de Minas.”, “O projeto é esse, quero muito fazer, tem tudo a ver com meu trabalho, não estou ganhando absolutamente nada, é importante por isso, isso, isso.” Quando eu trouxe isso pra Carol, ela falou: “Beleza, vamos pensar em como potencializar esse trabalho, como a gente torna esse trabalho mais uma vitrine pro seu trabalho, como a gente amplifica a mensagem dele”. Então eu acho muito massa trazer isso. Ter um agente, pelo menos pra mim até agora, não é só sobre ter dinheiro. A gente tá falando de planejamento mesmo, à longo prazo. De construção dos espaços que eu quero chegar, onde eu quero que as pessoas me enxerguem, sobre qual temática, qual poética, sobre qual conceito, eu quero que as pessoas me enxerguem nesse lugar, eu quero estar nesses lugares. Eu quero que meu trabalho seja acessível pra tal pessoa e para tal pessoa também. Como a gente consegue fazer essa balança se equilibrar? Como a gente planeja isso pra que isso seja possível e eu não fique todo mês correndo atrás do rabo com relação a dinheiro. É um planejamento que a gente vai fazendo juntos e de uma maneira orgânica, é bem orgânico. Tem coisas que estão muito certas mas tem coisa que é orgânica. Apareceu essa oportunidade, vamos pensar se encaixa, se vale a pena ou não. Isso tá sendo muito massa dessa relação. O Fábio tá falando aqui e isso é uma parada real. A gente acaba se sobrecarregando no processo mesmo, aconteceu comigo. Acontece com geral. Eu tive a oportunidade de trabalhar com a Carol e eu sei que não é uma oportunidade pra todo mundo. Mas por muito tempo a gente ficou nesse lugar de achar que esse não era um caminho possível. Pra mim grande parte dessa live, a importância disso é mostrar que já existe um caminho sendo construído dentro disso, existem pessoas. E é possível que novas pessoas surjam, a gente espera que novas pessoas surjam. Não sei se igual à Carol, não quero entrar em comparações. Mas que novas pessoas surjam para que, eu acho que isso dá um passo gigantesco pra gente como arte, artista e desenvolvimento artístico de modo geral. Quando você me trouxe o exemplo dos agentes musicais, mudou uma chave na minha cabeça. Eu nunca tinha pensado, em nenhum momento a gente analisou uma carreira artista, nós, como artistas visuais, analisamos uma carreira artística como é uma carreira de construção de um cantor ou banda.

C. Uma coisa que acho legal é, aproveitando que você falou e tem varias perguntas, sobre como remunera e se tem um contrato. A gente não vai falar sobre valor, isso a gente conversa pessoalmente. Uma coisa bacana que você falou, é que nem tudo é remunerado e a gente tá falando de construção de carreira. A gente entende que você hoje está num lugar e quer chegar em outro lugar e como a gente vai fazer esse caminho juntos. Perguntaram se tem um contrato. Sim, tem um contrato. Pra gente fazer um planejamento de carreira precisa de um contrato. Não, não é por job.

D. Nem em curto prazo. A gente tem um prazo…

C. Não tem um prazo mínimo para trabalhar e às vezes não vai chegar, concretizar tudo que a gente queria naquele processo. Mas eu volto a falar, é um casamento. Quando você casa, você entende que é na saúde e na doença.

D. Quando for pra dar errado o projeto, pra perder dinheiro. É tudo junto.

C. O que é muito massa, Diego falou do trabalho que ele tem em Gonçalves…. se tem um contrato para que? Para que gente possa fazer coisas remuneradas ou não, mas entendendo que todas as coisas que são feitas estão dentro de um escopo que a gente entendeu que faz parte dessa construção, então eu acho que é muito mais isso. Tem muito mais a ver com entender onde a gente quer chegar e como a gente chega lá. Pro Diego é muito importante que a arte dele chegue a pessoas que não podem pagar caro em uma tela. Óbvio que pra mim, voltando a primeira pergunta: Quer vender? Gosta de dinheiro? SIM! Eu sempre vou querer que o cliente pague mais. A arte tem essa coisa de quanto menos você pinta, mais você vale. Esse é o esquema principal da arte.

D. A arte é especulativa.

C. Mas ele me diz: “de onde eu venho e para as pessoas que estão no lugar de onde eu venho é muito importante que elas possam ter o meu trabalho”. Como que a gente vai fazer pra que essas pessoas tenham o seu trabalho é onde está o meu trabalho. E não pra te dizer: “beleza, então a gente vai dar pra essas pessoas” ou “não, isso a gente não vai fazer porque eu não vou ganhar nada”. A gente fala mesmo de uma construção coletiva, de dar as mãos e fazer isso juntos. Tem a ver com isso, de entender em que lugar você quer chegar e até da gente descobrir juntos que lugar é esse.

D. Sim, e isso envolve muita coisa. Envolve pensar que artistas seria interessante de fazer collab. É interessante eu ir pesquisar, a gente tava falando disso. O meu trabalho beira um pouco pesquisa antropológica, além de trabalho só. “Diego, pro seu trabalho, que lugar seria interessante a gente pensar de você ir lá e passar um tempo pesquisando sobre uma serie de trabalho que vai fazer. Se isso for possível, se a gente conseguir tornar isso possível, que façamos.” Mas é isso, quando a gente tem os objetivos muito claros, fica fácil identificar quais collabs fazer, quais festivais participar ou não, quais clientes a gente aceita ou não trabalhar, dentro de que lugar a gente pinta, dentro de quais bares, em quais muros…

C. O Guilherme fez uma pergunta, e tava numa parte de dicas que a gente tinha colocado, e ele falou: “Ah, eu moro num lugar onde não tem nada queria saber como funciona planejar…” Acho que tem uma coisa muito importante, tem sempre que entender esse lugar do artista, que a carreira artística, ela é uma carreira naturalmente solitária, onde o trabalho já é solitário quando você faz sozinho. E o processo de criação é um processo íntimo, onde você tá ali lidando com as suas questões para transformar aquilo em alguma coisa, então já é solitário. E quando você entende que pode ter uma pessoa pra trocar com você sobre as suas questões, isso é muito massa, porque é uma troca e é uma troca sincera. E a gente tá falando de uma pessoa que tem os mesmos interesses que você. Quando você me pergunta o que eu acho, eu vou dizer o que eu acho, não vou dizer pra te agradar. Vou dizer o que eu acho pra gente chegar em algum lugar, pra gente construir. E eu acho que isso é uma coisa que as pessoas perguntam como é que faz… a primeira coisa que o artista tem que saber é onde ele quer chegar.

D. Tem uma coisa que é interessante… A gente tá falando de uma troca entre eu e você, agente e artista. Mas a gente está falando da troca mesmo, estou falando isso antes de ter Carol, eu fazia essa troca com artistas que tinham o mesmo objetivo que eu, eles só não podiam ir lá bater na porta e vender. Mas a troca da construção é muito importante de qualquer maneira. O Alberto tá ai, Ramon que perguntou, Ianá… essa conversa que a gente tá tendo, eu já tive com todos eles.eu acho que o fato de estar com você agora, é levar essa conversa pra alguém que consegue resolver um passo além do que a gente conseguia até então.

C. Claro, mas acho que tem uma coisa também que eu tava lendo, acho até que está em um dos textos que te mandei daquele livro… A arte é muito cruel, ela coloca sempre o artista em um lugar de competição com seus pares. E isso é muito cruel. E por mais que você diga que tem aí o seu núcleo duro, de relações, onde vocês trocam e discutem os trabalhos entre pares. Isso tem na arte, naturalmente, uma competitividade. É óbvio que você vai dar o melhor de si e vai querer que o seu amigo… mas não tem, a arte é isso. Principalmente quando a gente fala do mercado brasileiro que é muito restrito e pequeno, pra você estar alguém tem que não estar, infelizmente, essa que é a verdade. A gente não tá falando de um mercado gigante, capaz de abarcar todos os artistas que estão aí. Então o que eu acho bacana é isso, você ter alguém que tá ali numa construção genuína do seu lado. Não digo que os pares de artistas não são genuínos, são absolutamente genuínos e corroboram nessa sua criação. Mas infelizmente o mercado é muito cruel. A gente não tá falando do mercado americano de arte, a gente tá falando do mercado brasileiro. A gente tá falando de duas capitais e quando a gente sai dessas duas capitais já é difícil. Eu acho que isso é cruel. Então é bacana pensar de ter alguém com quem você pode trocar sobre como fazer e de ouvir… De como o mercado entende. Porque tem isso… o espectador, o comprador, mecenas, a empresa, ela também é uma ponta que faz parte desse processo.

A gente tá falando do potencial de troca que vá no ganho mesmo, no valor. É óbvio a gente trocando entre os artistas dificilmente a gente consegue alcançar os valores mesmo. Porque na hora que tiver que escolher um trampo, ele vai escolher de um. E mesmo que fale que quer que os 4 que estavam comigo vão, é muito difícil. Eu ia falar da parte da grana porque você trouxe o lance das empresas e de mecenas. Que essa é uma chavezinha que virou na minha cabeça a um tempo nessas trocas com as pessoas. Porque a gente fala de ganhar dinheiro, como a gente se monetiza. Arte tradicional e a gente que trabalha com pintura mais tradicional, eu, principalmente, não só mural, mas pinturas. O que sustentava esses artistas eram mecenas. Em mecenato entrava diversas pessoas, as vezes da igreja e tudo mais. A gente se entendendo com o mundo moderno e aí se a gente parar pra pensar em quem tem dinheiro. Estamos falando de pessoas tipo a gente fora do mercado tradicional de arte contemporâneo. A gente tá nesse outro mercado, que é um mercado completamente novo aqui no Brasil, ainda em construção. Enxergar a empresa como mecenas que consigam fazer o seu trabalho se manter produtivo, existindo. É um jeito excelente de pensar, contanto que você entenda, e por isso também é massa trabalhar com o agente, contanto que o agente consiga fazer que você não tenha que fazer algo completamente diferente do seu trabalho, para uma empresa completamente escrota. Mas com uma empresa que compre o seu trabalho, a empresa tem dinheiro e te pague bem e esse dinheiro vai te sustentar durante um bom tempo pra que você fique só com a sua bunda sentada querendo pintar uma série nova sobre pescadores. Isso é genial. E é isso que a gente tá tentando pensar. Pra mim foi muito maneiro quando eu virei essa chave, um pouco antes de conversar com você. Virar essa chave me fez querer ir atrás disso de uma maneira mais assertiva. Eu parei de achar que era um erro. Na verdade eu parei de achar que era um erro ganhar dinheiro com o meu trabalho. Porque isso também é uma mudança de pensamento que a gente tem que ter, faz parte do amadurecimento mesmo. Jogar o jogo faz parte da parada só que você escolhe o jeito que você vai jogar o jogo.

C. Mas é que tem que entender… eu acho que é uma coisa que tá na palavra já, é o mercado da arte. Nesse termo tem “mercado”. Mercado é uma instituição do capital. E aí você entende como é esse mercado. As empresas são o novo mecenato quando a gente fala da arte urbana, é um fato. Como que você vai vender o seu trabalho para esse novo mecenas, aí é um segundo ponto. Mas você querer ir contra isso é muito complicado. Eu tenho um texto que escrevi sobre isso, que eu chamo da Nova Jornada da Arte, que entende esses novos players que não são os mesmos players da jornada tradicional. E que é um processo de você entender e acho que vai um pouco na questão que o Guilherme perguntou: “Como eu faço se eu moro num lugar onde eu não tenho acesso a essas pessoas?”. Primeiro eu te digo que ninguém precisa estar no mesmo lugar, a quarentena tá ensinando uma coisa maravilhosa que é que a gente não precisa estar no mesmo lugar.

D. Inclusive, eu e Carol não estamos. A gente nunca se viu pessoalmente.

C. Mas acho que é isso. Existem as novas mídias, as collabs, as empresas, os licenciamentos de produto, tem essa questão do posicionamento político-social, de que maneira você transforma isso no seu trabalho e coloca isso pro mercado. Tem uma série de players ai que você pode identificar sozinho na sua casa, no seu trabalho. Porque as novas mídias estão aí. Eu tenho uma tríade na minha cabeça de quando um artista me procura, ele tem que ocupar de alguma maneira essa tríade, eu nunca te falei isso. Tem que ter uma relevância, essa relevância é de trabalho. Pra mim não tem um julgamento estético do meu gosto, porque não se trata disso. Eu tenho que entender que aquilo ali é singular em algum lugar. Tem um lugar dessas novas mídias, de que maneira a pessoa se expressa, isso pra mim é muito importante. Porque se alguém não consegue falar do próprio trabalho, contextualizar aquilo que faz, pra mim é muito difícil. E esse lugar político-social também é muito importante. Então de alguma maneira isso tem que estar composto. Se é bom, se não é bom, se eu gosto, se eu não gosto, se eu coloco na minha casa, se eu não coloco, se falam mal, se não, se a pessoa é chata, se não, isso pra mim não tem a menor relevância. Porque o que eu coloco na minha casa, os meus amigos que jantam nela e de que maneira eu me coloco na vida não tem nada a ver com isso. É óbvio, porque é um outro lugar. E isso é uma coisa que qualquer artista, independente de ter alguém, pode pensar… “Eu tenho relevância? O que eu estou fazendo é relevante?”. Não dá pra esquecer que hoje a instituição do museu mudou, e hoje quem chancela o trabalho é quem vê, e quem vê é o público e esse público não é especializado, isso é um fato. Não é especializado.

D. Não é especializado dentro da visão acadêmica tradicional da arte.

C. Acadêmica, exatamente. Está pautado em outros pilares. Nos pilares das mídias, da fama, de que maneira se coloca perante a vida. Então um artista que tem um trabalho “X” mas que tem um posicionamento “Y” e que dialoga diretamente com o público é muito bom.

D. Isso cria micro sistemas sustentáveis. Artistas que atingem espaços pontuais dentro de mercados pontuais. Que se encaixam dentro de alguns espaços. Não é um big artista gigantesco, hiper conhecido por todo mundo mas que atinge com qualidade pequenos públicos.

C. O Tito comentou aqui, a última mensagem, que vender pra empresa não dá constância. Não, não dá constância mas é parte desse jogo.

D. Quando a gente tá falando de vender pra empresa mecenato, galera, a gente não tá falando uma empresa que vai pagar todos os trabalhos. A gente tá falando de buscar empresas, uma atrás da outra, com uma certa constância, e parceiros que paguem valores maiores para que a gente consiga ficar mais tempo com respiro de buscar trabalho. Uma coisa assim… Conseguir usar as empresas para financiar trabalhos, usar essa grana.

C. Uma coisa que o Tito colocou que é muito importante, eu sempre digo isso… quando você não sabe onde você quer chegar, qualquer caminho serve. Eu acho importante você saber onde você quer chegar. Você uma vez me disse “Carol, pra mim é muito importante esse lugar, que existe pouco no Brasil, mas que existe na Europa, que é esse lugar dos murais aliado a uma galeria que fala dessa nova estética da arte, de que maneira a gente faz isso?”. A gente precisa entender como isso acontece. A empresa, no caso de um mural, ela está extremamente ligada porque dificilmente você vai ter uma pessoa física que vai te pagar pra você pintar um muro de 500m2. É muito difícil.

D. Claro, uma empena tipo a do Mandela, não existiria uma pessoa física que pagaria, uma empena. Tem que ter uma empresa que pague. E querendo ou não são trabalhos como esse que valorizam, que dão visibilidade e tudo mais.

C. A Larissa até perguntou aqui que na aborda eu cito que os artistas que trabalham comigo tiveram uma valorização no mercado. Eu acho que isso, Larissa, é uma coisa que tem a ver com a precificação. A primeira vez que o Diego me deu um preço pra um trabalho, eu falei “Tá louco né? Por isso aí você não sai nem de casa pra fazer. Você não vai sair de casa pra fazer isso de jeito nenhum.”. Eu acho que a primeira coisa tem a ver com uma coisa que o Diego falou e eu já percebi. O fato de que a maioria dos artistas tem muita dificuldade de precificar o seu trabalho num certo pudor de dar valor. E o que acontece é que eu vejo muito, de artistas que eu não trabalho, que eu converso… é o seguinte: eu dou um preço que é baixo mas eu acho que o cara não vai aceitar o mais alto, eu faço e me sinto usurpado. Isso é um clássico. O meu lugar tá em ser essa frente que fala do dinheiro sem o pudor desse lugar da precificação. Quando eu falo que subiu, subiu fato. A Rafa é uma artista que a gente aumento em 70% o valor do cachê dela em 8 meses. Quem segue a Rafa vai ver, ela faz trabalho pros maiores clientes do Brasil, a gente atende tudo. Uma das coisas que ela me dizia era isso, ela não sabe dar preço. Até hoje ela não sabe dar, as pessoas ligam pra ela e ela diz: “Ai, eu não quero falar com você não. Liga pra Carol!”. É esse pânico de precificar, então a coisa da valorização vem imediatamente quando alguém começa a dar o preço por você. Porque você já fala: “Por esse preço você não vai.” E isso pro artista é muito doloroso. O Diego pode falar sobre isso…

D. Sim! Como é algo muito pessoal e a gente, além de tudo, ama muito o que faz. É muito horrível tu dar um valor. É muito horrível você negar um trampo que você quer fazer por causa de valor. Fora que é muito doloroso tu querer fazer o trabalho e dar um preço pra ele. É muito difícil. Eu sempre calculei valores que eu achasse que fossem justos e que talvez eu pagaria só que esse valores não são valores que eu posso dar pra uma empresa. Uma coisa é se eu foSSE contratar o trabalho de um amigo aqui do lado. Outra coisa é uma empresa que ganha milhões. Se o Itaú vem querer um trabalho meu, eu não vou passar um valor baixo. Tem muita coisa envolvida nisso.

C. Eu me lembro que uma vez eu fiz um trampo pra Rafa, não vou contar o cliente, porque não vale a pena.

D. A gente tem muito medo de perder cliente.

C. O cliente chegou e era pra pintar toda a fábrica do cliente. Só pra chegar no lugar custava R$300 de táxi. Era super longe. Era super caro. Um trampo super caro. A gente saiu de lá e eu falei: “Por menos de ‘X’ a gente não faz.” Aí ela: “não, mas o trabalho…” e eu falei “Por menos de ‘X’ a gente não vai fazer, a gente vai perder todo mas a gente não vai fazer.”. Ai eu dei um preço qualquer e a pessoa me ligou e falou “ah, eu to com muita vergonha de te dizer quanto que eu tenho.” Eu falei “não precisa ter vergonha, porque você tá dizendo pra mim e não pra ela.” E ela disse “eu tenho a metade.” Eu falei “eu faço a metade do trabalho pela metade do dinheiro, eu não faço o mesmo trabalho pela metade do dinheiro.”. E isso é uma coisa de saber negociar. De entender que você não vai desvalorizar o artista mas ele também não precisa pintar tudo. Quem pinta na rua, eu também tenho um pouco de sorte que eu não trabalho com artista que é muito rueiro. Quem pinta na rua quer pintar tudo, quer pintar o maior número de lugares.

D. Aê grafiteiros, aê Ramon!

C. De entender que a arte, ela tem valor na escassez. E no final das contas foi muito louco. Eu fui vendendo, a cliente foi gostando, foi aumentando o preço e no final a gente pintou por um valor maior menos área. Uma loucura.

D. Eu pelo menos, como artista, não tenho o tato da negociação. Porque como é um negócio muito pessoal, até a negociação entra no lado pessoal e aí fica difícil fazer a negociação. Perguntaram aqui se essa parada entra com relação a telas. Galera, entra em relação a tudo. A gente acaba negociando tudo. Tela vai muito de como o artista trabalha, eu acho. Tem gente que trabalha com produto. Fez a tele e vende a tela, a negociação entra em precificação, Carol pode falar depois. Mas tem trabalhos comissionados que são outra vibe. Qual valor tem, a gente diminui a tela. Tudo entra em negociação em relação a valores.

C. A Mura tá até aí e ela tá pintando igual uma doida. Não para de pintar em casa na quarentena. E todo dia ela queria postar… Falei pra ela “Para de postar, a gente vai fazer um pack e a gente vai fazer um negócio junto dessas telas que vocês estão postando.”. Tem isso também, de você entender como você conduz aquilo, tem a ver com as telas e com todo o processo. Fazer essa comparação é muito boa, quando você fala de um casamento, você fala desde ir pra festa até limpar banheiro, tudo que está envolvido nisso. É isso que é importante. O Cazé perguntou e eu acho que é massa falar, eu acho incrível potencializar isso, Cazé. Outro dia eu recebi uma oferta de um trampo pra fazer um trabalho na Bahia. E eu falei que eu não queria fazer, que ia dar uma pessoa pra fazer. E não era um trabalho exatamente de agente. Era um trabalho de agenciamento, mas não era um agenciamento particular, enfim, era um trabalho diferente. Mas eu não queria fazer, por vários motivos, não pelo trabalho. O trabalho era incrível e aí eu dei o trabalho pra uma mina. E ai ela disse “ah, mas eu nunca fiz!” e eu disse “vai lá e eu te ensino, qualquer dúvida você me pergunta.”. E eu acho que é isso, quanto mais a gente tiver um mercado especializado fazendo isso, eu acho que o meu trabalho vai ser cada vez mais reconhecido e o trabalho dos artistas vai estar em um lugar melhor porque eu acho que a gente está falando de um fortalecimento de uma cena.

D. Tem uma parada que é interessante. Tem uma quebra de demonização do negócio do dinheiro que é importante. Gente, não é que toda hora a gente chega e fala “não” pro cliente. Tem que analisar se o cliente vale ou não. Se é um cliente que a gente quer muito fazer. Como eu tava falando, cheguei na Carol e falei: “Carol, esse trampo aqui não é de ninguém, quem tá me dando as tintas é o cara da tinta da praça do lado, mas eu quero muito fazer. Eles estão me dando carona pra eu ir pra cidade, não tem ônibus, não tem porra nenhuma. Eu tô ficando na casa das pessoas, mas eu quero muito fazer porque está muito alinhado com o que eu acredito.” . A gente trata individualmente porque é isso, a gente está sempre olhando pro horizonte, sempre olhando pra frente… e se aquilo leva a gente a dar passos pros lugares que a gente quer chegar. Se o trabalho ou projeto faz a gente dar passos nesse caminho, ótimo!

C. Esse é o ponto. Esse lugar é uma escada pra onde a gente quer chegar? Beleza, a gente vai seguir o baile. A pergunta é sempre essa né… Leva a gente pra frente nessa nossa jornada ou não? Não leva a gente pra lugar nenhum?

D. Até o caso de: Não vai levar mas vai dar muito dinheiro pra gente dar passos pra frente. É válido pra você, Diego? É válido pra você, Carol? É. Então beleza, vamos ai!

C. Mas é isso que eu acho que é essa troca né, eu acho que essa troca que é constante, tem que estar muito à vontade com o trabalho… eu já conversei com uma pessoa que eu queria muito agenciar e a pessoa estava muito reticente. Eu me lembro que a pessoa falou “não, mas então quando você tiver uma oportunidade, você me procura pra gente fazer um trabalho pontual.” Eu falei “claro, sim, vamos.”. Mas é óbvio que não vai acontecer, porque não faz sentido pra mim, ter trabalhos pontuais se eu quero fazer uma construção. Acho que isso é interessante pensar, de que maneira a gente vai construir aquilo ali juntos. Porque nunca é pontual, nunca está se falando de “sim, se vende a qualquer preço” ou “não, não se vende de jeito nenhum”. Eu acho que é disso que se trata, essa construção vai muito por aí.

D. Responde a Ianá.

C. Eu acho que esse lance da tatuagem tem bastante na arte. Hoje as pessoas já conseguem colecionar artistas. Óbvio na tatuagem tem bastante isso mas na arte já começa a ter isso. As pessoas, obviamente, você não vai ter uma casa inteira de uma pessoa só, você quer ter várias pessoas. Isso também acontece na arte, não é uma particularidade da tatuagem.

D. Teve uma pergunta que rolou lá no começo, acho que foi da Dolores. Se existia uma arte vendável e uma não vendável se a gente analisasse mercado.

C. Claro.

D. Ou se você está tentando vender pro lugar errado.

C. Eu acho que existe uma composição, por isso que eu sempre penso nessa tríade na minha cabeça quando eu penso em alguém pra trabalhar. Eu acho que sim, existe uma arte que é muito vendável e a gente percebe isso quando a gente vê pessoas que vendem muito. Existe o artista que é muito vendável. E quando você tem um artista muito vendável com uma arte muito vendável é um casamento perfeito. Não necessariamente esse artista muito vendável, essa arte muito vendável, ela é o que seria uma masterpiece da arte tradicional mas existe sim uma arte vendável. Até porque se a gente está falando da venda, inevitavelmente se a gente estiver voltando para aquele lugar de uma venda nesse novo modelo… tem a venda da massa, né. Tem a venda para as massas… Tem coisas que vendem muito, porque são coisas de fácil digestão. Você olha aquilo e você não precisa pensar. Eu acho que a arte tem esse lugar de colocar sempre a gente nesse lugar de pensamento, é uma função da arte. E a arte vendável, ela tem isso. Esse fato de que é mais fácil pensar, digestão fácil. Mas se alguém me perguntar se essa é a melhor arte ou esse é o caminho certo? Não acho que seja só esse o caminho certo. Eu posso dar esse exemplo: o seu trabalho e o trabalho da Rafa. A Rafa tem um trabalho absolutamente vendável. Eu acho que seu trabalho bem construído, ele é muito vendável. O seu trabalho é vendável mas precisa ser construído pra isso, acho que é um pouco esse caminho. Tem trabalhos que são mais vendáveis sim, é um fato.

D. Essa pergunta da Dolores me afastou um pouco de vender o meu trabalho. Qual é a régua de um trabalho vendável ou não? Quando a gente fala de trabalhos de fácil digestão, como você tava falando ou até trabalhos mais comerciais tipo da Rafa, o meu trabalho tá em outro oposto. Eu não via ele como vendável simplesmente porque não era um trabalho que andava alinhado ao trabalho da Rafa. E por não ser isso, eu achava que ele não era vendável. E é muito maluco como a minha cabeça foi mudando com o tempo com relação a isso. “Mas calma, qual é a régua que você tá colocando, qual o caminho você está tentando seguir, de que maneira você está embalando o trabalho, de qual jeito, qual o discurso, para qual público?”. De alguma maneira os trabalhos vão se adaptando para serem vendáveis, tudo dá pra encaixar no vendável. É que tem trabalhos mais prontos e trabalhos que é construção disso né.

C. Eu acho que tem uma coisa muito interessante em arte contemporânea, ela prova que essa régua do vendável é muito extensa. Você pensar que Damien Hirst vendeu uma merda de um tubarão dentro de uma porra de um acrílico por 12 milhões de dólares.

D. A gente está falando de uma banana presa com silver tape na parede.

C. O que é vendável e o que não é?! Eu acho que sim, tem coisas de fácil digestão. Por exemplo, chocolate é mais vendável que jiló. Óbvio. Mas assim, jiló não é vendável? Pra mim, é. Eu, inclusive, não como chocolate. Prefiro jiló do que chocolate. Tem essa coisa da digestão. E tá em você decidir que caminho você quer oferecer. Você pode cultivar jiló, agora, como a gente vai vender jiló é um caso. É vendável. Acho que nem tudo é fácil de vender mas é um caminho a ser percorrido.

D. Lari, pergunta importante. Carol, vender arte política é mais difícil?

C. Gente, guerrilla girls!

D. Quer mais arte política que isso?

C. Um lenço custa 180 pounds. Vamos pra próxima.

D. Tá respondido.

C. Tudo é a retórica que se constrói, gente. A gente tá falando de retórica, a gente não tá falando de trabalho em si, eu acho. Eu acho que quando a gente tá falando de um artista sozinho, a gente tá falando do trabalho, daquele objeto concreto. Quando a gente tá falando de um agente com esse artista, a gente tá falando da retórica sobre esse objeto e eu acho que é isso. A política ela está em que retórica você constrói, a gente está falando de retóricas. De como se constrói essas retóricas pra gente fazer esse trabalho. E eu acho que isso é que é massa da relação. Você poder entender como que vai fazer isso, de que maneira isso vai ser construído, como que isso conjuntamente vai chegar em algum lugar. E de que maneira essas retóricas vão ser construídas. É basicamente disso que a gente tá falando.

Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas urbanxs nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizei mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

Diego Mouro é um artista agenciado por mim. Constrói sua trajetória artística a partir dos saberes e práticas ancestrais, transformando o processo de produção artístico em parte de um ritual e busca pelo resgate do passado numa ponte para a construção de novas narrativas de futuro e ressignificação do presente.

Com técnicas e influências que vão da arte tradicional à arte de rua, seus trabalhos respeitam a tradição do muralismo e constroem uma narrativa não verbal, compartilhando conhecimento e sendo parte de processos formativos na construção de uma nova narrativa histórica da arte e das culturas tradicionais.

ou carta aberta ao “gênio” da arte

Dizem que o artista é a antena do seu tempo e é num mundo onde essas antenas não pertencem às mulheres que decidi que 17 histórias mereciam ser contadas.

Quando começou a quarentena, eu, como a maioria as pessoas, comecei a pensar o que poderia fazer dentro do meu campo de atuação que de alguma forma fortalecesse a área que trabalho. Decidi então que iria acessar algumas artistas mulheres e que a partir delas criaríamos uma pequena rede de indicações onde pudéssemos utilizar as tão batidas “lives” (vídeos ao vivo em mídias sociais) para conversarmos sobre como se dava o processo de produção, desenvolvimento de trabalhos, dificuldades enfrentadas e por fim como estavam passando a quarentena.

Sem juízo de valor artístico, posicionamento no mercado, técnica utiliza ou temática de interesse, ouvi cada uma delas a fim de conhecer um pouco mais sobre seus trabalhos, mas foi sobretudo por acreditar que um futuro diferente depende de um outro tipo de registro do presente que toquei esse projeto.

Às mulheres sempre foi dado o “direito” de permanecer em casa, não obstante são atividades artísticas consideradas femininas: o bordado, a pintura em miniatura, os têxteis e tudo mais que o sistema da arte considera uma arte menor. Não existem "gênias" da pintura, não pertencem a elas os retratos das vidas noturnas e das ruas, historicamente não lhe são dadas nem ao menos o direito de terem suas biografias escritas.

Durante 17 dias seguidos conversei com cada uma, durante aproximadamente 1 hora e desde então sento em frente ao computador para tentar escrever como foi esse processo. Queria contar um pouco do que cada uma falou e de seus diferentes trabalhos, porém não havia encontrado uma linha que pudesse ligar todos os pontos. E assim não conseguia publicar suas histórias.

Até que ontem me caiu a ficha, e entendi que falar de arte feminina em toda instância é falar de afeto, ou muitas vezes, de desafeto.

Os assuntos foram vários, e todos, em algum momento, passaram pelas relações dessas mulheres com os homens. Desde os amores que as introduziram no mundo do graffiti, da dificuldade de encontrar locais para pintar pois todos já pertenciam a algum homem, depressão, abusos, escolha de estilos masculinos para mostrarem que podem fazer algo que é de identificação dos homens, desenhos que foram feitos para celebração de alguma relação ou fuga de sentimentos.

Abrindo esse espaço, onde a ideia era inicialmente enaltecer o trabalho artístico, descobri que pautar o universo feminino é complexo e precisa ser visto a partir daquilo que nos move: o afeto. A criação artística é quase sempre motivada por emoções, dizem os artistas que seus sentimentos e suas angústias são a máquina propulsora de seus trabalhos, sendo eles homens ou mulheres.

Porém os psicanalistas relatam que falas femininas são feitas a partir do interno, e entende-se esse interno como nossos sentimentos e questões, ou seja, em algum ponto afetos. E que os homens constituem seus discursos a partir de questões externas, algo que poderia ser em algum momento explicado pelo falo, mas isso é um outro texto.

Pensando sobre essa diferença e analisando o trecho abaixo de “O feminismo é para todos” de Bell Hooks, é possível entendermos o desafeto que os homens têm pelas vozes das mulheres:

“O primeiro ato de violência que o patriarcado exige dos homens não é a violência contra as mulheres. Em vez disso, o patriarcado exige de todos os homens que pratiquem atos de automutilação psíquica, que matem suas partes emocionais.”

Entender que são questões externas o dinheiro, a fama e o reconhecimento do público é compreender o incômodo dos homens frente às mulheres e a sua constante capacidade de compartilhar e externar esse afeto gerando dinheiro, fama e reconhecimento a partir da sua capacidade de transformar (des)afeto em arte.

E mais do que isso, talvez nos explique o quanto isso nos transforma em figuras tão ameaçadoras e silenciadas por tanto tempo na história da arte.

O medo não é da arte, é do afeto.

Esse texto ou carta aberta, é a explicação para um retorno que tive de alguém que não entendeu sobre o que se tratava o projeto.

Participaram das lives as seguintes artistas maravilhosas, em ordem alfabética, Afolego, Amorinha, Andy Reis, Camz, Caro Lago, Carolina Jaued, Chermie, Clara Leff, Dapenha, Dolores Esos, Keka Florencio, Kika Carvalho, Lu Bicalho, Maria Antonia, Marina Rodrigues, Mura e Rafa Mon.

*Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas urbanxs nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizou mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.

Há muito tempo eu estudo sobre o que seria uma jornada da arte, li antologias incríveis sobre esse tão famoso mundo da arte. E se posso sugerir alguns, tenho 2 preferidos: “Sete dias no mundo da arte” da Sarah Thorton e “O tubarão de 12 milhões de dólares” sobre a obra de Damein Hirst, neles é possível percorrer toda esse jornada que passa por galerias, escolas de artes, museus, leiloeiros, críticos, revistas, feiras e é claro O artista. Esses textos desvendam esse jogo e como se faz dinheiro e fama com ele.

Confesso que não é essa jornada que me atrai, apesar de ainda ser um jogo muito jogado, acredito que há algum tempo estamos caminhando para um “novo jogo” ou talvez um jogo antigo mas que de alguns anos para cá vem se tornando o que eu chamo de uma “nova jornada da arte”. Jornada essa que não inclui os tradicionais museus, os tão temidos críticos e muito menos as feiras, nessa “nova jornada” o que importa são as novas mídias, o público, as empresas e influenciadores que juntos apresentam um novo artista: O ARTISTA POP STAR. Quando chamo de POP STAR não os seleciono por tamanho de fama, mas sim, por saber que essa fama é determinante para o jogo.

É papel da arte questionar as circunstâncias, mas o que gostaria de questionar é se as circunstâncias de venda, fama e construção de artistas mudou ou se sempre foi construída da mesma forma e seus agentes apenas mudaram de nome. Seriam os likes os novos críticos, o instagram a nova revista de arte e as empresas os novos mecenas?

Para começar essa discussão fui buscar algo na arte digamos tradicional para tentar entender e construir essa “nova jornada da arte”. E nesse momento não abordarei o aspecto vendável que tanto me interessa mas sim quais elementos simbólicos ou não são necessários para essa construção. Dessa forma trarei o tema de 2020 da Arco em Madrid, que é uma das principais feiras de arte contemporânea da Europa e no ano passado tive o prazer de ouvir sua diretora, Maribel López, falar na minha especialização em Madrid e logo após conhecer a feira que ocupa 2 enormes galpões com as principais galerias do mundo.

A Arco esse ano — que todos os anos homenageia um país — escolheu como tema o trabalho de Felix Gonzalez-Torres: “Untitled — It’s just a matter of time”, ao invés de um país. Gonzalez-Torres é um artista nascido em Cuba que teve seu trabalho reconhecido no final dos anos 80 até sua morte em 1996. Costumava usar sua arte em conjunto com causas sociais e políticas, sempre com o objetivo de transformar o espectador de destinatário passivo a um observador ativo e reflexivo. Seu trabalho, “Sem título (é apenas uma questão de tempo)” é um exemplo perfeito disso. O outdoor foi exibido originalmente em 1992 em Hamburgo, na Alemanha, em uma exposição intitulada “Gegendarstellung: Ética / Estética em tempos de AIDS”. Durante essa exposição, a peça também foi instalada em cidades de todo o mundo — traduzida para o idioma oficial do país em que foi exibido.

De lá para cá esse trabalho foi reexibido em diferentes lugares, contextos, idiomas e circunstâncias políticas, porém sua superfície e formato continuam os mesmos, é sempre exibido em um outdoor num fundo preto com tipologia clássica de Fraktur — um tipo distintamente gótico com um vínculo forte com a morte (já que foi usado fortemente como o “verdadeiro” script alemão durante a Alemanha nazista) e sempre que exibido a mensagem permanece atemporal, fazendo com que esses novos contextos e locais de exibição tornem o significado cada vez mais contraditório e o texto mais poderoso.

Porém não é o motivo pelo qual a Arco escolheu o trabalho de Gonzalez-Torres como tema que me interessa, mas como isso dialoga com o meu interesse pela “nova jornada da arte”. “It’s just matter of time” me faz questionar sobre o tempo de um trabalho e o tempo de um artista e mais do que isso me faz refletir sobre o papel simbólico de um trabalho exposto em outdoor em tempos onde o que se chama arte comercial é tão propagada e impulsionada por parcerias com empresas e em como a arte hoje tem um papel importante na construção de valor para as marcas. Outro ponto importante a se destacar é o uso de frases de efeitos, que hoje podem ser substituídas por artes militantes ou de causas, onde os artistas se identificam e apropriam para que sejam suas bandeiras nesse tão importante mundo de opiniões que constrõem seu lugar de astro. E por fim mas não menos importante, será mesmo apenas uma questão de tempo? Será essa jornada apenas uma moda de início de milênio? Ou será realmente uma “nova jornada da arte”?

Essas respostas assim como a arte não tem uma verdade absoluta, se constroem e tornam-se verdadeiras nas circunstâncias que ocorrem, e esse texto não tem como objetivo trazer respostas mas abrir uma reflexão sobre os novos artistas, seus novos consumidores e como isso tudo se constrói. Espero que goste e contribua (se quiser), pode ser no seu tempo. ;)

*Me chamo Carolina Herszenhut, atuo como agente cultural e ativista, através da minha produtora Abordatrabalho agenciando artistas urbanas nas cidades do Rio e São Paulo, em 2012 criei O Cluster, a primeira e maior plataforma de economia criativa do Rio de Janeiro. Realizou mais de 25 eventos com mais de 100.000 pessoas nas cidades do Rio, Belo Horizonte e Recife. Recentemente completei o curso de Gestão e Criação Contemporânea na La Casa Encendida em Madrid e tem MBA em Gestão Cultural pela Associação Brasileira de Gestão Cultural. Desenvolvo e atendo clientes como Museu do Amanhã, CCBB, Heineken, Redbull, Boticário, Michelin, Skyy, Consulados, Governos e ONGs.